viernes, 29 de agosto de 2008

John Abercrombie/Dan Wall/Adam Nussbaum - Tactics



Se suele hacer referencia a los tres grandes guitarristas de la actualidad surgidos a fines de los setenta y comienzos de los ochenta: Pat Metheny, Bill Frisell y John Scofield. Siempre consideré que esta afirmación incurre en una omisión imperdonable: John Abercrombie. Tal descortesía, a igualdad de méritos, estimo que debe tener por fundamento haber cometido el pecado de ser el más jazzero "ortodoxo" de los cuatro y no haber coqueteado decididamente con géneros de mayor popularidad. Dueño de un tono soberbio y una idiosincracia enraizada en el blues, Abercrombie ha influido en sus colegas desde la edición de Timeless (ECM, 1974) y conformado agrupaciones, usualmente trios o cuartetos, con un sostenido nivel de calidad, junto a, entre otros: Dave Holland y Jack DeJohnette, Marc Johnson y Peter Erskine, o más recientemente, Mark Feldman, Marc Johnson y Joey Baron. Tactics es el tercer disco, en vivo, con su organ trio, integrado por: Dan Wall en Hammond B3 y Adam Nussbaum en batería. Su sonido en este álbum es magnífico tanto en la guitarra eléctrica como en la acústica: claro, limpio, utilizando su pulgar en reemplazo de la púa que abandonó hace años. Dos standards: You and The Night and The Music y Long Ago and Far Away, en los que su ejecución permanece más cerca de la tradición; mientras que en las composiciones propias (Sweet Sixteen), o en las de sus compañeros (Chumbida, Mr. Magoo), comprende una mayor variedad estilística. Aún a riesgo de caer en la reiteración, merece mencionarse la calidad de la grabación realizada por el sello ECM. ****1/2

miércoles, 27 de agosto de 2008

Abbey Lincoln - Over The Years



Over The Years es un extraordinario disco de la cantante y compositora Abbey Lincoln. Con setenta años al momento de grabarlo, su voz suena oscura y tremendamente expresiva. En sus palabras: "Yo no canto jazz. No puedes cantar jazz. Tienes que cantar con tu espíritu, y tu corazón, y tu alma. Se trata de contar historias...acerca de alguien, en alguna parte". Acompañada por Joe Lovano en saxo tenor, en el rol que ocupara Stan Getz en el disco que significara su regreso en los noventa: You Gotta Pay The Band (Verve, 1991), y una muy eficaz sección rítmica de músicos prácticamente desconocidos, desarrolla un programa que incluye standards y composiciones propias en partes iguales. Entre mis favoritas: el tono dramático de A Heart Is Not A Toy; Lucky To Be Me, de Leonard Bernstein; y la magnífica versión de Tender As A Rose, a capella. ****

martes, 26 de agosto de 2008

Wayne Shorter - JuJu (RVG Edition 1999)



Usualmente los críticos destacan Speak no Evil (1965) como el mejor, pero mis discos favoritos de Wayne Shorter entre los que editara para el sello Blue Note son JuJu y Adam's Apple. En el primero de los cuales, acompaña a Shorter la sección rítmica del cuarteto de John Coltrane, reproduciendo esas maravillosas texturas armónico-rítmicas que distinguieron a la mencionada agrupación. La ejecución es intensa y excitante, mientras que las composiciones son excelentes. Todas las melodías son grandiosas. JuJu es un motivo repetitivo con McCoy Tynner y Elvin Jones empujando; Deluge es un swinging blues, también con una frase reiterativa; House of Jade es una balada; Mahjong tiene una rítmica latina; Yes or No es un up-tempo; y Twelve More Bars to Go, otro blues. Lo único decepcionante es que el sonido no es todo lo bueno que debería. *****

sábado, 23 de agosto de 2008

Luis Nacht - El presente



"Lo interesante, lo que nos cautiva es cómo el jazz responde a las condiciones cambiantes y los sonidos de un lugar concreto. Cómo una pieza de jazz es la intersección de muchas cosas diferentes para cada músico. Esa intersección es el presente, y cuando suena todo está ahí y no hay más que eso. Es, como todo presente, lo único que realmente podemos tener".
Estas palabras incluidas en el folleto pertenecen al escritor Marcelo Cohen y permiten aproximarse al significado de la improvisación en jazz. Y ésta es la materia de El presente. Según el propio Nacht: "La grabación fue realizada en una toma, como si se tratara de una actuación en vivo" (como se debería hacer todo disco de jazz). En el álbum se conjugan las muy lindas y simples melodías de Danza en el río y El presente, el tono oscuro del saxo tenor de Nacht en El espíritu de la cosa y los aires folklóricos de El perfume de la tierra mojada. La guitarra de Juan Pablo Arredondo funciona muy bien desarrollando las ideas del saxofonista, mientras que la sección rítmica está a cargo de los requeridos Jerónimo Carmona y Carto Brandán, la misma de Cruces, de Fernando Tarrés. ***

Paul Motian Band - Garden of Eden



Como Gary Burton a fines de los setenta, Paul Motian es uno de los líderes de agrupaciones que mejor utiliza las guitarras, manifiesto tanto en la Electric Be-Bop Band como en la Paul Motian Band, esta última casi una extensión de aquélla. En Garden of Eden, son tres las guitarras empleadas en crear atmósferas ricas en texturas y colores que sirven como sustento a las líneas melódicas usualmente a cargo de los saxos en ausencia de un piano como es habitual en los grupos del baterista. Dos temas de Charles Mingus, composiciones propias, una de cada uno de sus jóvenes acompañantes Chris Cheek y Steve Cardenas, una de Jerome Kern, para finalizar con su particular recreación de obras pertenecientes al período be-bop. En música me atrae el sonido tanto como la interpretación, del mismo modo que valoro en igual medida la pintura que pone énfasis en el color como aquella que lo hace sobre las formas. Garden of Eden es la expresión del grado de estilización que puede alcanzar una banda de jazz en la actualidad. ****

U.K. - Night After Night Live!



Tengo entendido que, en su inincio, U.K. fue un proyecto de reunión de King Crimson del cual, luego, Robert Fripp se alejó. Durante su breve existencia, editaron dos discos en estudio: U.K. (EG, 1978) y Danger Money (EG, 1979), y el que nos ocupa, en vivo, llamado Night After Night. Después de la grabación del primer disco se separa la formación inicial (Jobson-Wetton-Holdsworth-Bruford) aduciendo diferencias musicales, las que se manifiestan estupendamente en el álbum. Quienes lo hayan escuchado, recordarán la variedad entre los primeros temas y los últimos, firmados por distintos integrantes. John Wetton confirma lo sostenido: "Hay días que sonábamos como una banda de rock y otros como una de jazz". En consecuencia, la dupla Holdsworth-Bruford (la parte más jazzera de la ecuación) es reemplazada por tan sólo un miembro, el baterista Terry Bozzio (Frank Zappa). La dificultad a resolver consistía en trasladar al vivo en trio temas de un disco en cuarteto en estudio que contiene montones de sobregrabaciones. ¿Cómo lo hicieron? Maravillosamente.  ****

Antonio Hart - Ama Tu Sonrisa



En For Amadou, Antonio Hart improvisa, haciendo gala del tono robusto de su saxo alto, sobre ritmos africanos. Ama Tu Sonrisa es una plácida melodía ejecutada en flauta, con solo de vibráfono de Steve Nelson (Dave Holland Quintet). Distant Cousins comienza con aires de medio oriente para dar lugar a toda la inspiración latina que retomará en Peace, Love and Light y El Professor. Wayne's Lament es una introspectiva composición donde utiliza el soprano, con Wayne Shorter como referencia. El resto se orienta, a mi pesar, hacia el smooth-jazz, pero su interpretación es tan sólida que merece atención. ***1/2

Roy Hargrove - The Collected



The Collected es una recopilación del sello RCA Victor de los primeros discos de Roy Hargrove, e incluye un personal fantástico que reúne a varios de los "young lions" surgidos a principios de los noventa: el propio Hargrove, Antonio Hart (en gran forma), Christian McBride, Marc Cary y Stephen Scott; junto a intérpretes de notable trayectoria: Billy Higgins, Al Foster y Gary Bartz. Se distinguen la tremenda versión de Night Watch, de Kenny Dorham, con un estupendamente redondito solo de Hart, y Milestones, de Miles Davis, con uno también muy bonito, cortesía de Marc Cary. ***1/2

James Carter - JC On The Set



JC On The Set debe ser uno de los mejores primeros discos que haya escuchado. Sólo bastan unos pocos compases del tema inicial para quedar abrumado con las cualidades técnicas de Carter que, con veinticinco años al momento de grabar este álbum, parece decidido a derribar a todos los saxofonistas que surgieron a principios de los noventa (Joshua Redman, Antonio Hart, etc.). También se destacan sus acompañantes: Craig Taborn en piano acústico, y los oriundos de Detroit: Jaribu Shahid en contrabajo y Tani Tabbal en batería. ****1/2

Kurt Rosenwinkel - The Next Step



Kurt Rosenwinkel debe ser entre los guitarristas de su generación el que ha logrado con mayor éxito un discurso propio. Su sonido, su forma de tocar y sus composiciones son inmediatamente reconocibles. En su página web podemos leer que él está tratando de ligar las notas que toca con su mano izquierda, práctica que se denomina legato, manteniendo un sentido de síncopa rítmica en la derecha. En sus propias palabras: "Básicamente, quiero un cruce entre Allan Holdsworth y Grant Green, pero además el approach armónico de Keith Jarrett. Esa cualidad pianística de crear un espacio armónico mientras estás soleando. Por supuesto, Holdsworth hace eso con líneas de una sola nota, pero la integración de acordes y melodía es algo que realmente quiero escuchar en mi cabeza. Y Keith es un maestro en eso, como Bud Powell y Elmo Hope. Entonces, podrías decir que estoy tratando de combinar aspectos de Allan Holdsworth, Grant Green, Keith Jarrett, Bud Powell y Elmo Hope en la guitarra". ****

David Sylvian/Robert Fripp - Damage (Limited Edition)



Damage fue grabado en diciembre de 1993 durante la gira correspondiente al álbum The First Day, que David Sylvian realizara con la mitad del doble trio que conformaba King Crimson a mitad de los noventa (Fripp-Gunn-Mastelotto), más el agregado de Michael Brook en "Infinite Guitar". La banda suena ajustadísima, brindando enormes dósis de energía y desarrollando todas las virtudes del registro en estudio, en particular en la potencia de las bases provistas por Trey Gunn utilizando un stick y Pat Mastellotto en batería (quien reemplaza a Jerry Marotta en relación a The First Day) y en las inusuales guitarras; mientras que la voz de Sylvian se escucha con una claridad asombrosa, más etérea que nunca. En mi lista de favoritos de la década del noventa. ****1/2

Enrico Rava - Tati



En discos como: Suspended Night, de Tomasz Stanko, y Tati, de Enrico Rava, puede apreciarse la actualidad del sello ECM, en los setenta comparable a lo que significó Blue Note una década antes como expresión de un sonido propio. A la vez, demuestran la madurez alcanzada por dos notables trompetistas europeos dueños de un tono personal: oscuro y áspero el primero, cálido y agridulce el segundo; cuya interpretación es rica en matices e ideas abstractas en el primer caso, plena de lirismo y melancolía en el segundo; sin renunciar a la improvisación libre que es de la esencia de ambos. En Tati (un homenaje al director de cine francés Jacques Tati), Rava utiliza un formato de trio sin contrabajo para tocar de un modo sumamente inspirado baladas como: The Man I Love, de George Gershwin, y la que da nombre al álbum; una versión de E lucevan lestelle, de Giacomo Puccini, perteneciente a la ópera Tosca; y composiciones con influencias de free jazz: Jessica Too y Cornettology. ****1/2

Horacio Molina - Ecos



Horacio Molina es un cantante de tangos que podría fácilmente ser ubicado en las antípodas del arquetipo propio del género. Su tono es intimista, su canto es casi un susurro, muy distante de voces recias y robustas. Sus fraseos exquisitos me recuerdan a cantantes de otros géneros. Todos rasgos de un estilo singular que lo hacen ser más auténtico. ****1/2

viernes, 22 de agosto de 2008

Tomasz Stanko Septet - Litania: Music of Krzysztof Komeda



Manfred Eicher propietario y productor del sello ECM sugirió al trompetista Tomasz Stanko hacer un disco que reflejara su época junto al compositor de jazz y música de películas Krzysztof Komeda. El resultado, que contiene piezas pertenecientes a las bandas de sonido de un par de filmes de Roman Polanski más algunas composiciones que Komeda ejecutara con su quinteto, es de tono oscuro y meláncolico. En este álbum llamado Litania, del mismo modo que en los siguientes junto al cuarteto que incluye al pianista Marcin Wasilewski, la música de Stanko pone el acento en variaciones en torno de las melodías y en la creación de climas más que en la improvisación propiamente dicha, a diferencia de lo que hiciera en sus comienzos en los setenta o con el cuarteto escandinavo junto al pianista Bobo Stenson, lo cual puede comprobarse incluso en la extendida Night-Time, Daytime Requiem. En cuanto al formato, consignado como un septeto, en verdad es un sexteto, debido a que la participación del guitarrista Terje Rypdal se limita a aportar color en algunos temas. Merece destacarse lo admirablemente bien que funcionan juntos el trompetista y los saxofonistas Bernt Rosengren y Joakim Milder. ****1/2

Tomasz Stanko Quartet - Suspended Night



En Suspended Night, del mismo modo que en el primer trabajo junto a su cuarteto todo polaco llamado Soul of Things (ECM, 2002), se trata de improvisación grupal teniendo en miras la construcción de climas y texturas con una cualidad decididamente cinemática. Al menos es lo que percibo, porque según palabras del propio Stanko, con excepción de las variaciones VIII y X que son improvisadas, el resto son composiciones. ****1/2

Tim Berne's Bloodcount - Lowlife The Paris Concert



Bloodcount es una notable agrupación del saxofonista Tim Berne en formato acústico, con la excepción de la guitarra eléctrica de Marc Ducret. En la música de Berne, se observa una coherencia en la búsqueda sonora y una cualidad infrecuentemente creativa en la construcción de las líneas melódicas y el modo de desarrollar las composiciones, quizás aquí con mayores espacios abiertos. En Prelude: The Brown Dog Meets The Spaceman, conjuga momentos en los que predomina un tono elegíaco en una atmósfera de jazz de cámara con otros donde prevalece el frenesí propio del free-jazz. También resulta atractivo el aporte de Ducret, en particular en su encendido solo en la suite Reflections/Lyric/Skin 1, de Julius Hemphill. ****1/2

Dee Dee Bridgewater - Live at Yoshi's



En Live at Yoshi's, Dee Dee Bridgewater demuestra su soberbia utilización del scat y una versatilidad que le permite lucirse, tanto en los temas up-tempo como Cherokee, donde también se destaca Thierry Eliez en órgano; como en las baladas, entre las que se incluye Stairway to the Stars, en la cual imita admirablemente a un trombón. ****1/2

Erik Truffaz - Bending New Corners



En Bending New Corners, en el cual Erik Truffaz fusiona jazz y drum 'n' bass, lo que se escucha es tocado por los músicos, eludiendo utilizar una caja de ritmos. En consecuencia, tiene una energía de la cual carecen esfuerzos similares, lo que puede apreciarse en particular en Arroyo, donde contrabajo y batería parecen impulsar la banda un paso adelante. El otro hecho a destacar, es el creativo aporte de Patrick Muller en el Fender Rhodes (por ejemplo, su solo en Bending new corners). La música del cuarteto gana en interés con la inclusión de instrumentos eléctricos, en relación al formato acústico con el que grabaran su primer disco Out of a Dream (Blue Note, 1997). Para concluir con las constantes comparaciones con Miles Davis, ya lo aclara el trompetista: "Bitches Brew (Columbia, 1970) es un disco fundamental para mí, de no haberlo escuchado sería jugador de fútbol". ****

Charles Lloyd/Billy Higgins - Which Way is East



Charles Lloyd es un músico admirable que ha sido injustamente subestimado por los críticos, probablemente por el hecho de haber tocado en los sesenta para audiencias de rock y vendido más de un millón de copias de su disco Forest Flower: Charles Lloyd at Monterrey. Del cuarteto que registró ese álbum surgieron las figuras de Keith Jarrett y Jack DeJonette, una banda que supo hacer fusión mucho antes que ese término se estableciera como un estilo dentro del género. Lloyd, un saxofonista dueño de un sonido que une influencias como John Coltrane y Stan Getz, y de una trayectoria fascinante que supo de retiros en su refugio de Big Sur, se encuentra hoy a los setenta años entregando quizás los mejores trabajos de su vida. Desde principios de los noventa graba para el prestigioso sello alemán ECM, junto a músicos europeos en un principio, tales como el pianista sueco Bobo Stenson (utilizando la sección rítmica del cuarteto europeo de Jarrett); y norteamericanos más tarde, entre los que puede destacarse a John Abercrombie, Brad Mehldau y Geri Allen. Pero la relación más relevante es la que supo establecer con uno de los más importantes bateristas que ha dado el jazz: Billy Higgins, quien tocó con todos desde Ornette Coleman y Don Cherry, pasando por Dexter Gordon y Cedar Walton. Which Way Is East reúne a Charles Lloyd y a Billy Higgins unos meses antes de la muerte de éste y el cual contiene dúos de saxo y batería, a Charles Lloyd tocando el piano, y a Billy Higgins cantando en portugués, haciendo un blues acompañándose con una guitarra y utilizando todo tipo de percusión. Como si se tratase de un legado de dos personas que compartieron sus vidas dedicadas a la música y a una búsqueda espiritual. Música en estado puro. ***1/2

Fernando Tarrés - Cruces



Profundo, en la sangre,
vive el árbol de cada uno;

de esa íntima madera
será la cruz.

A partir de esta poesía de Diego Muzzio, Fernando Tarrés compuso una suite de diez movimientos que representa diferentes estados por los que atraviesa el hombre y tiene como ejes la realidad y los sueños. Merece destacarse el equilibrio entre escritura e improvisación, del mismo modo que la combinación de diferentes géneros como la música clásica, el jazz o los ritmos folklóricos, que muchas veces suelen verse como compartimientos separados no comunicables. ****

Phil Collins - Face Value



Nada de lo que hizo antes o después me gusta, por lo que Face Value siempre ha sido para mí una grata sorpresa. Todas las composiciones son destacadas y presentan una gran variedad estilística, apreciándose la influencia de bandas como: Weather Report en temas como Droned y Hand in Hand (a su vez, participa Alphonso Johnson, uno de sus bajistas) o Earth, Wind & Fire en piezas como Thunder and Lightning (incluye la presencia de su sección de vientos). Desde el pop de In the Air Tonight, casi una definición del sonido de los ochenta, al funk de Behind the Lines, pasando por el rhythm & blues en The Roof Is Leaking o el soul de I Missed Again, Phil Collins encuentra un lugar donde plasmar sus influencias musicales al mismo tiempo que entrega un conjunto de canciones con gran contenido emotivo que, como todas aquellas que son valiosas, parecen resistir el paso del tiempo. *****

Dave Douglas Quintet - Live at the Jazz Standard



El trompetista Dave Douglas demuestra cualidades como compositor e intérprete y una versatilidad que manifiesta por la diversidad de las propuestas que aborda en diferentes agrupaciones: jazz de cámara con aires de tango (Charms Of The Night Sky), la conjunción de jazz y música de los Balcanes (Tiny Bell Trio), o jazz eléctrico con influencias de funk, rock y hip-hop (Keystone). Entre ellas, el Quinteto se inspira en el momento de fines de los sesenta en que Miles Davis buscando otro sonido decide incluir el piano eléctrico en su segundo gran quinteto, en discos como Miles in the Sky y Filles de Kilimanjaro. Live at the Jazz Standard es el registro en vivo de sus actuaciones en el Jazz Standard de Nueva York en diciembre de 2006, en las cuales transmite frescura, imaginación y vitalidad, lo cual pudo comprobarse en octubre de 2007 en el breve pero soberbio concierto que brindara en el Teatro Opera de Buenos Aires. ****1/2

Tim Berne - The sublime and. Sciencefrictionlive



Siguiendo los pasos de Julius Hemphill, el saxofonista Tim Berne se distingue por la complejidad de sus composiciones con amplio espacio para la improvisación grupal y una permanente disposición a tomar riesgos.
Science Friction es la unión de dos de sus trios que comparten un mismo baterista impulsando con polirritmos y métricas irregulares: Tom Rainey. Hard Cell, integrado también por el pianista Craig Taborn, cuyo empleo del Fender Rhodes y la laptop aporta texturas y atmósferas que enriquecen el sonido del grupo; y Big Satan, donde luce el guitarrista Marc Ducret con la ejecución siempre heterodoxa de su instrumento.
Con sólo seis temas en sus cerca de dos horas de duración, The sublime and. es el contexto ideal para el desarrollo de las ideas musicales de Berne. ****1/2

Michael Brecker - Tales from the Hudson



A excepción del soberbio Secret Story (Geffen, 1992), para encontrar al mejor Pat Metheny de la década del noventa es necesario buscar en discos de otros músicos en los cuales ha participado, por ejemplo: Till We Have Faces, de Gary Thomas (JMT, 1993); Wish, de Joshua Redman (Warner Bros., 1993); y Pursuance: The Music Of John Coltrane, de Kenny Garrett (Warner Bros., 1996). En particular, me gusta Tales from the Hudson, del saxofonista Michael Brecker, donde Metheny toca con mucha fluidez, exhibiendo un sonido más liviano y despojado que en sus proyectos definidamente jazzeros. Los solos de Brecker son sencillamente extraordinarios. ****1/2

Don Byron - A Fine Line Arias & Lieder



Don Byron es dueño de un eclecticismo que le ha permitido grabar jazz, música clásica, pop, funk, klezmer, latin, desconociendo límites musicales sin perder consistencia; y revitalizando un instrumento, el clarinete, poco utilizado en jazz en décadas anteriores. En este álbum se propone demostrar la proximidad que existe entre las formas asociadas a la música clásica, arias y lieder, y las canciones de la música popular, para interpretar un programa en el cual versiona autores como: Ornette Coleman, Stevie Wonder, Leonard Bernstein y Robert Shumann, entre otros. ****