martes, 13 de diciembre de 2011

Paul Weller - Stanley Road



Stanley Road, que recibe su nombre de la calle donde creció Paul Weller, es su tercer disco como líder, con el cual concluye una trilogía que contiene toda una recreación insuperable, a principios de los noventa, de varias décadas de estilos populares próximos, como: el rock, el pop, el rhythm & blues y el gospel. En mi gusto, una vez finalizados los setenta, sólo Steve Winwood, quien participa en este álbum, pudo hacer confluir tan diestramente esas músicas asociadas en el origen a artistas negros. ****1/2

jueves, 8 de diciembre de 2011

Paul Weller - Wild Wood



Menos asentado sobre las bases del soul y el R&B que en su debut, titulado simplemente Paul Weller, más definidamente roquero, con algunos trazos de folk, Wild Wood, segundo álbum solista de Paul Weller, califica, sin margen de dudas, entre los puntos más altos de su meritoria carrera. Contiene canciones directas, contundentes, cantadas con vigor y provistas de arreglos que incluyen teclados electrónicos evocativos de los sonidos de los sesenta y setenta, tales como: el Mellotron, el MiniMoog o el Wurlitzer. A estas alturas, Weller se muestra sólido, maduro, creativo, convirtiéndose en el mejor heredero posible de la estirpe Beatle, sin perder su propia voz. ****1/2

domingo, 4 de diciembre de 2011

Spinetta - Para los árboles



Para los árboles es un álbum que continúa la transición iniciada por el anterior Silver Sorgo, entre el power trio de Los Socios del Desierto y el regreso a las influencias jazzísticas de la agrupación actual de Spinetta. Suena menos a banda y más a proyecto personal, siendo las canciones revestidas esencialmente con el uso de teclados y electrónicos. La presentación en vivo en el Gran Rex en 2003 tuvo la particularidad de incluir la interpretación del disco íntegro, siguiendo el orden de los temas en el mismo, más el agregado de algunas canciones, entre las que se destacaron las versiones de: Tonta luz, perteneciente a Silver Sorgo, junto a los tecladistas Fontana y Cardone; Oh! Magnolia y Las olas, dos temas del doble Spinetta y los Socios del Desierto. ***1/2

miércoles, 30 de noviembre de 2011

Spinetta - Silver Sorgo



Silver Sorgo, firmado por Spinetta, podría haber significado un nuevo bautismo para Spinetta-Jade, debido a su sonido deudor del jazz eléctrico. El catálogo de Spinetta se caracteriza por su solidez. En todas las épocas, salvo para los nostálgicos que añoran los tiempos de Pescado Rabioso o Almendra, ha dado pruebas de mantener su inquietud creativa. Lo mismo pueden atestiguar quienes han tenido el gusto de presenciar sus conciertos, mostrándose usualmente en forma. Otra cualidad notable es su personalidad. Las disfrutables canciones incluidas en este álbum no se parecen a las de nadie más. Spinetta sólo se parece a sí mismo. ****

domingo, 27 de noviembre de 2011

Sonia Possetti Sexteto - Cayó la ficha



Hay vida después de Piazzolla. Junto a una agrupación que presenta timbres no usualmente asociados al tango, producto de una búsqueda sonora que no teme escapar hacia los márgenes de la música que es el sello de la Ciudad de Buenos Aires, Sonia Possetti arriesga en procura de plasmar una visión del género vital, inconformista y progresiva. El resultado es Cayó la ficha, una representación elocuente de lo que el tango debe ser en estos tiempos. Entre las elogiables composiciones, se incluye la Suite de los elementos, integrada por cuatro partes inspiradas en cada uno de los elementos esenciales constitutivos de la materia: tierra, aire, agua y fuego, los que simbolizan las cualidades de: solidez, movimiento, fluidez y calor. Mano de obra (2003), su primer álbum solista (anteriormente había grabado en dúo con el violinista Damián Bolotin), tiene mayor énfasis en el aspecto melódico, mientras que Cayó la ficha, en el textural. Aún más atrevido estilísticamente el segundo. Con ambos discos, Sonia Possetti parece decidida a demostrar que la discusión acerca de qué es y qué no es tango está superada. Sólo resta mirar hacia adelante. ****

sábado, 19 de noviembre de 2011

El Arranque - Clásicos



El Arranque es una agrupación con más de quince años en la tarea de ganar un espacio para jóvenes intérpretes de tango. Clásicos, su tercer disco, incluye, como se infiere de su nombre, un repertorio de composiciones populares, en versiones respetuosas, cuyos arreglos pertenecen, en su mayoría, al violinista Ramiro Gallo. La banda suena de manera impecable (quizás demasiado prolija), y demuestra cohesión y solidez. Sin apartarse de la tradición, persigue actualizar el vocabulario de un género ávido por la consolidación de una generación de nuevos cultores. ***

lunes, 14 de noviembre de 2011

Mingus on Mingus

Kevin Ellington Mingus, nieto del genial contrabajista y compositor Charles Mingus, se encuentra en la tarea de dirigir un documental llamado "Mingus on Mingus" (anteriormente titulado "A True Jazz Legend"), entrevistando a quienes conocieron y tocaron con su abuelo y visitando los lugares donde vivió. Para continuar con su realización, quienes están a cargo de la producción inauguran una campaña destinada a recaudar fondos, que finalizará el 18 de diciembre, esperando contar con aquellos que forman parte de la comunidad de jazz. La película promete redescubrir a uno de los artistas esenciales en la evolución del género.

viernes, 11 de noviembre de 2011

Roberto Goyeneche - Cristal 1978 (RCA Victor 2004)



Los temas incluidos en esta edición de RCA Victor denominada Cristal, nombre de la exquisita composición de Mariano Mores, fueron grabados por Roberto Goyeneche junto a la Orquesta Típica Porteña, dirigida por Raúl Garello, entre 1976 y 1978. Los primeros doce, formaron parte del LP llamado Nada más que un corazón, mientras que los agregados a modo de bonus tracks se registraron para el LP Homenaje a Anibal Troilo. ****1/2

miércoles, 9 de noviembre de 2011

Astor Piazzolla - Milan 1984 Vol. 1



El quinteto es la agrupación con la que Astor Piazzolla diera la forma más acabada a su música, cuyos atributos son: carácter, fuerza, profundidad, sensibilidad, elegancia, sensualidad. La integración que brindó este concierto en el Teatro Nacional de Milán en 1984, que incluye a: Pablo Ziegler en piano, Fernando Suárez Paz en violín, Héctor Console en contrabajo y Oscar López Ruiz en guitarra, es la misma de mi única asistencia a una presentación del eximio maestro, que tuvo lugar en 1983 en el Cine 8 de La Plata, ocasión en que la sala fue colmada por el público, ocupando incluso el piso superior, no habilitado para las diarias proyecciones de cine, hoy inexistente, dado que el recinto fue remodelado y convertido en un complejo multisalas. En esta primera parte del programa se distinguen: una abreviada versión de la Suite del Angel, omitiendo la Introducción, con destacada participación del violinista Suárez Paz en Resurrección del Angel; y Tristeza de un doble "A" (doble A es el modelo de bandoneón usado por Piazzolla), que contiene un solo introductorio del propio Astor. ****

jueves, 3 de noviembre de 2011

Fernández-Piazzolla-Sívori - Triathlon



Cirilo Fernández es un pianista cuya interpretación tiene lazos en común con la de sus coetáneos Brad Mehldau e Ethan Iverson y Triathlon es el álbum que lo une al contrabajista Mariano Sívori y al baterista Daniel Piazzolla. En el mismo sentido que las agrupaciones de los mencionados tecladistas, el Brad Mehldau Trio o The Bad Plus, combinan jazz con pop y rock, Fernández pertenece a una generación de pianistas que adiciona a la improvisación con fundamentos en el jazz nuevas estéticas que derivan en un sonido contemporáneo, rejuveneciendo uno de los formatos más tradicionales del género. Es valiosa la decisión de incluir únicamente composiciones propias, en su mayoría pertenecientes a Fernández, a excepción de Se Pileta, firmada por Sívori, y de Mi viejo es un capo, de Daniel Piazzolla, evitando incluir un tema popular con la sola pretensión de sumar audiencia. ***1/2

sábado, 29 de octubre de 2011

Mariano Sívori - No dogma



En todo orden es necesario oponerse a todo aquello que se presenta como establecido e inconmovible. Lo contrario, sería suponer que existe algo que no admite discusión, que no puede ser cuestionado. Asimismo, una cualidad preciada en la música es la audacia. Romper con aquello indicado como la forma correcta.
Tales ideas parecen haber animado al contrabajista Mariano Sívori a denominar a su primer álbum No dogma, explicitando el precepto seguido en la labor desarrollada en el estudio. El resultado es una música que no teme emplear fuentes de inspiración no propias del jazz, mientras procura alejarse incluso del terreno recorrido por su agrupación Escalandrum, mas tienen en común acentuaciones y líneas melódicas evocativas de música ciudadana. El desarrollo de los temas combina diferentes tiempos, que transmiten disímiles estados de ánimo, partiendo de serenas partes usualmente a cargo del pianista Cirilo Fernández, para ganar luego en intensidad y urgencia con el sexteto a pleno. El sonido estilísticamente de fusión del guitarrista Lucio Balduini, único intérprete de un instrumento eléctrico, más notable en su solo en Chopchi, añade un tono totalmente diferente al ensamble. Junto a él, los saxofonistas Ramiro Flores, en alto y soprano, y Gustavo Musso, en tenor, logran que sus contribuciones suenen frescas y atractivas. ****

miércoles, 26 de octubre de 2011

Ramiro Flores - Flores



Flores, primer álbum del saxofonista Ramiro Flores, muestra una sencilla y creativa construcción de los temas, en lo cual colaboran con él en un plano de igualdad, Hernán Jacinto en Rhodes y Juan Canosa en trombón, principalmente, aportando los colores muy sugestivos de sus instrumentos. El líder privilegia composición y arreglos, por sobre un espacio mayor para la exhibición de habilidades por parte de los intérpretes. En la mayor parte de los temas los solos tienen medida duración, salvo en ***, único en el que Jacinto toca el piano acústico, y Zap, con la formación reducida a un trio de saxo. A la vez, son enriquecidos con la incorporación de sonidos ajenos al jazz, primordialmente en el aspecto rítmico, provenientes de la electrónica: drum 'n' bass en Feraldi y Rodrigo, donde destacan Jerónimo Carmona en contrabajo, Eloy Michelini en batería y Fer Isella en electrónicos; y el folklore: candombe en Hay, aires de chacarera en Barcos, donde participan Juan Quintero en voz y los percusionistas Richard Nant y Pablo Ben Dov. El disco concluye, luego de un falso final, con una improvisación en la que Ramiro Flores toca flauta y es acompañado por Lucio Balduini en guitarra eléctrica sin amplificación. Ramiro Flores confirma, con este auspicioso debut, que tiene algo para contar, y lo hace de un modo infrecuentemente personal para nuestro medio. ****

lunes, 24 de octubre de 2011

Buenos Aires Jazz.11



Del 1 al 6 de noviembre, se realizará una nueva edición del Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires que, en esta ocasión, contará con la presencia de: Charles Tolliver, Kenny Werner, Arild Andersen, Nguyên Lê, Marilyn Mazur, Tommy Smith, Paolo Fresu, Baptiste Trotignon y Masa Kamaguchi, entre otros. Algunas características que identifican a este encuentro son: la preeminencia de músicos locales, que estarán representados por una constelación que incluye a: Hernán Mandelman, Mariano Loiácono, Eloy Michelini, Mariano Sívori, Roxana Amed y el repatriado Minino Garay; los cruces entre artistas extranjeros y nacionales, destacándose la presentación de Charles Tolliver dirigiendo a la big band de la carrera de jazz del Conservatorio Manuel de Falla; y las comisiones, en las que se encarga a un artista la recreación de la obra de una figura de excepción en la música argentina y que, en este caso, tendrá a Juan Cruz de Urquiza revisitando a Charly García. Además, se llevarán a cabo distintas actividades, tales como una muestra fotográfica, proyección de cine y talleres, que enriquecen la propuesta ofrecida.

jueves, 20 de octubre de 2011

Jim Hall & Pat Metheny - Jim Hall & Pat Metheny



Dúo de guitarras que reune a dos generaciones y cuyos integrantes ejercen enorme influencia sobre sus pares. Jim Hall, quien fuera integrante del quinteto del baterista Chico Hamilton a mitad de los cincuenta y realizara notables grabaciones en dueto junto al pianista Bill Evans (Undercurrent e Intermodulation) y como miembro del cuarteto sin piano del saxofonista Sonny Rollins (The Bridge), tuvo una singular significación sobre quienes surgieron a fines de los setenta y son las grandes referencias de su instrumento en la actualidad, incluido Pat Metheny, quien, a su vez, posee un gran ascendiente sobre aquellos que aparecieron posteriormente a él. Contiene seis temas grabados en vivo en the Craftsmen's Guild, en Pittsburgh, otros registrados en estudio y firmados por cada uno, una serie de improvisaciones, dos standards (All the Things You Are y Summertime), y dos pertenecientes al contrabajista Steve Swallow y al guitarrista Attila Zoller, respectivamente. ****

lunes, 17 de octubre de 2011

Pat Metheny Trio - Live



Pat Metheny reserva para los trios de guitarra su sentir más puramente vinculado al jazz. Sin su fiel Lyle Mays en los teclados, ni multi-instrumentistas, percusionistas o vocalistas que aporten color, utiliza una sección rítmica de contrabajo y batería para acompañar a su guitarra, decidido a hacer énfasis en la improvisación. A pesar de lo que supondría el formato más pequeño elegido, suena de un modo monumental, tal si fuese una orquesta, y la ausencia de los diferentes timbres que añaden otros instrumentos para generar matices, es reemplazada por el empleo de un arsenal de guitarras que incluye eléctrica, acústica, sintetizada, de 42 cuerdas y de 12 cuerdas sin trastes. El álbum doble contiene temas ya grabados, destacándose una suntuosa y extendida versión de Question and Answer; y nuevas composiciones, con las que concluye el segundo disco: la balada Night Turns Into Day, y aquellas menos frecuentes, en las que Metheny exige un poco más de sí mismo, aventurándose por terrenos menos transitados, llamadas Faith Healer y Counting Texas. ****1/2

martes, 11 de octubre de 2011

John Scofield & Pat Metheny - I Can See Your House From Here



No siempre la sociedad de dos músicos estelares tiene un resultado proporcional a la suma de los antecedentes de ambos. No es el caso de I Can See Your House From Here, álbum que reune a los consagrados guitarristas John Scofield y Pat Metheny, a los que se añade la sobresaliente sección rítmica perteneciente al trio del primero de ellos: Steve Swallow en bajo y Bill Stewart en batería. Scofield y Metheny funcionan muy bien juntos, a pesar de ser tan diferentes, combinando el sonido un tanto más cerebral, disonante de Scofield, con el propiamente melódico, cálido de Metheny. En Amazon.com, puede leerse que debido a esta grabación, Scofield se decidió a comprar una guitarra acústica, que ejecuta sin perder personalidad en Message To My Friend (cuerdas de acero) y Say The Brother's Name. Pat Metheny, a su vez, toca guitarra sintetizada en la efervescente The Red One. ****

jueves, 6 de octubre de 2011

John Scofield - Hand Jive



Hand Jive, otro de los notables álbumes grabados por John Scofield en los albores de los noventa, demuestra su afición por el funky jazz, en un nuevo ejemplo de notable interacción con un saxofonista, en este caso Eddie Harris, perfectamente sostenidos por: Larry Goldings, en piano y órgano, Dennis Irwin en contrabajo, Bill Stewart en batería y Don Alias en percusión. Scofield y sus colegas lucen relajados, mas sin perder energía, entregando una interpretación fluida y derrochando solvencia. En el debe puede incluirse cierta excesiva prolijidad, a la vez que se extraña una mayor calidez. No obstante, prima la ejecución virtuosa, privilegiada, del guitarrista, tocando un estilo en el que demuestra singular destreza, el mismo que reproduce en su colaboración más reciente con el trio Medeski, Martin & Wood. ****

miércoles, 14 de septiembre de 2011

The John Scofield Quartet - Meant to Be



Meant to Be es el segundo disco consecutivo del guitarrista John Scofield en el que utiliza un cuarteto sin piano y se acompaña del saxofonista Joe Lovano, eligiendo en cambio una diferente sección rítmica, también de lujo: Marc Johnson en contrabajo y Bill Stewart en batería, quienes reemplazan a dos históricos: Charlie Haden y Jack DeJohnette. Tanto este álbum, como el inmediato anterior: Time on My Hands, pertenecen al lado más definidamente jazzero de Scofield. No obstante, los temas de tiempo rápido (Big Fan, Eisenhower, Some Nerve) tienen el tinte funky, desenfadado, que es parte de su estilo, los que combina con otros de tiempo medio (la bossa Keep Me in Mind, el rockish Chariots, la bluesy The Guiness Spot), hallándose, por aquel entonces, en el pico de su producción de gran jerarquía en la guitarra. ****

sábado, 10 de septiembre de 2011

John Scofield - Time on My Hands



Pocos socios tan efectivos como el saxofonista Joe Lovano, en particular compartiendo la alineación frontal con un guitarrista. De ésto ya daba cuenta su participación en la extraordinaria agrupación del baterista Paul Motian, en ese caso, junto a Bill Frisell. En Time on My Hands, debut para John Scofield en el sello Blue Note, ambos parecen entenderse de memoria. Scofield tiene una técnica soberbia, una inagotable capacidad de creación de ideas musicales y un sonido que ofrece buenas dósis de distorsión, más próximo al de un guitarrista de rock que al de uno de jazz ortodoxo. El álbum contiene todos originales que demuestran acabadamente sus habilidades también como compositor. Mis preferidas: la cadenciosa Let's Say We Did y el animado rock Fat Lip. ****

lunes, 5 de septiembre de 2011

Fredrik Nordström Quintet - Live In Coimbra



Una voz por demás interesante en la escena europea actual, el saxofonista sueco Fredrik Nordström, grabó en Noviembre de 2005 una actuación en vivo de su quinteto, publicada en 2008 con el nombre de Live In Coimbra. Con dicha agrupación, editó con anterioridad tres discos en estudio: On Purpose (2002), Moment (2003) y No Sooner Said Than Done (2005), en los que participaron el vibrafonista Mattias Ståhl, pieza clave en el sonido de la banda, y el baterista Fredrik Rundqvist, quienes, a su vez, estuvieron presentes en el concierto en Portugal. A ellos se sumaron, en tal oportunidad, el trombonista Mats Aleklint reemplazando al trompetista Magnus Broo y el contrabajista Torbjörn Zetterberg en lugar de Ingebrigt Håker Flaten. Cubriendo un amplio espectro del bop al free, el juego tímbrico que aporta el formato, cierto color oscuro y una tendencia progresiva, evocan una de las propuestas más vanguardistas del entero catálogo de Blue Note: aquellos álbumes que reunieron a principios de los sesenta a Jackie McLean, Grachan Moncur III y Bobby Hutcherson. Otra referencia para mí, es la música que el saxofonista Archie Shepp registrara en la misma época. Nuevas versiones de dos temas pertenecientes a Moment: No Longer y Russian T; tres incluidos en No Sooner Said Than Done: In Motian, donde recrea los sonidos propios del histórico baterista Paul Motian, Cocoon (Björk) y Pizza Girl; y dos inéditos: Yakiniku y Mister Barista. ****

miércoles, 31 de agosto de 2011

Angles - Every Woman is a Tree



Every Woman is a Tree, primer disco de la banda sueca Angles, expresa un firme compromiso político. Abre con los sones ominosos ejecutados por el contrabajista Johan Berthling y el saxofonista Martin Küchen en Peace is not for us; nuevamente Berthling con un solo señala el camino en Don’t ruin me, que continúa en una lenta cadencia donde las participaciones solistas del trombonista Mats Äleklint y de Küchen reflejan apremio; un poderoso arreglo de los bronces da paso a un sostenido groove en My world of mines; ritmos tribales crean el marco para la canción que da título al álbum; el sonido de fanfarrias tocadas por el saxofonista y un tinte oriental son parte de The Indispensable Warlords; en el final, Let’s talk about the weather (and not about the war), cuya traducción sería Hablemos del tiempo (y no de la guerra), apela a la alegría, al regocijo, como modo de alejar el dolor y el pesar que conlleva un mundo en el que no se apuesta con decisión por la paz. ****1/2

lunes, 15 de agosto de 2011

Darren Johnston - The Edge of the Forest



The Edge of the Forest es otro de esos discos que demuestran porqué Clean Feed es un sello que representa cabalmente cómo debe sonar el jazz hoy. Moderno, fresco, melódicamente exquisito, rítmicamente pujante, no descuida composición, arreglos ni interpretación. En su ejecución, el trompetista Darren Johnston hace gala de versatilidad, sonando cálido, por momentos, y crudo, en otros. Intercambia fuego con el clarinetista Ben Goldberg y el saxofonista Sheldon Brown (escuchar el vibrante contrapunto en Be the Frog), quienes disponen de amplio espacio para exponer el arsenal de ideas musicales que posee cada uno; a los que se suma una sección rítmica (Devin Hoff en contrabajo y Smith Dobson V en batería) ágil, flexible, que aporta recursos técnicos y expresivos que enriquecen una música dotada de las cualidades de cerebralidad, vitalidad y emotividad. ****

lunes, 8 de agosto de 2011

Ben Goldberg - Go Home



En Go Home, Ben Goldberg, uno de los pocos músicos de jazz junto a Don Byron y Perry Robinson en dedicarse exclusivamente a tocar clarinete, explora su lado menos cerebral, más terrenal, empresa para la cual recluta a dos expertos en groove: el guitarrista Charlie Hunter y el baterista Scott Amendola, quienes colaboraron juntos en la banda del primero a mediados de los noventa y, actualmente, en la agrupación TJ Kirk; y al sofisticado cornetista Ron Miles. Hunter privilegia en su interpretación el aspecto rítmico y elude contribuir sobradamente en el armónico, lo cual, sumado a la economía por la que opta el conjunto, permite que la música gane en espacio y en fluidez. En buena parte del álbum, la guitarra de Hunter determina el sonido del grupo, quizás en mayor medida que el clarinete de Goldberg, y debido a la idiosincracia del guitarrista, destaca una tendencia a lo básico: blues en TGO y Papermaker y rock en Ethan's Song y Wasee; mientras que, en Lace y Head and Tails, adquiere tonos oscuros, crepusculares, y aires camarísticos, al menos en la interpretación de los vientos. Aportando la frescura del vivo, Go Home contiene cuatro temas grabados en el Throckmorton Theatre, en Mill Valley, California. ****

domingo, 31 de julio de 2011

Scott Amendola Trio - Lift



Lift es el nombre del último disco de Scott Amendola a la fecha. En esta ocasión, presenta al Scott Amendola Trio, a diferencia de las anteriores entregas en las que estaba acompañado por agrupaciones más numerosas que recibieron el apelativo de Scott Amendola Band. Pero vale aclarar que no se trata del típico trio de guitarra, lo cual es de esperar de un integrante de otro trio no convencional: The Nels Cline Singers. Como en su modelo, la música, enriquecida por la percusión y los electrónicos interpretados por el baterista y compositor, combina géneros y estilos distintos: latin, blues, Americana, funk, rock, noise, sin perder coherencia. En ausencia de Nels Cline, Amendola encuentra al compadre ideal para este proyecto en el guitarrista de Chicago Jeff Parker, quien es tremendamente versátil, por lo que puede sonar como Sonny Sharrock (Death By Flower), Bill Frisell (Lift) o John Scofield (Lima Bean) y, a la vez, conservar su propia identidad. Mi tema preferido: Blues For Istanbul. ****

jueves, 21 de julio de 2011

Grant Green - Green Street (RVG Edition 2002)



La guitarra, debido a su escaso volumen en relación a otros instrumentos, tuvo una participación limitada como integrante de la sección rítmica de la orquesta. Sólo con el advenimiento de la amplificación pudo tener un rol protagónico. Por tal motivo, recién en los sesenta va a formar parte de pequeñas agrupaciones. Grant Green graba en 1961, uno de sus años más prolíficos, Green Street, precursor de los trios de guitarra y uno de sus discos más notables.
El sonido de Green es nítido, cristalino, mientras que su ejecución, dedicado a tocar líneas de notas individuales tal si fuese un instrumento de viento, no decae en intensidad o interés, a lo cual se agrega un acompañamiento que funciona de modo complementario, colaborando para que la interpretación del guitarrista fluya dentro de un amplio espacio. Dos standards: 'Round About Midnight, de Monk, y Alone Together, de Dietz-Schwartz; más tres composiciones originales, entre las que destaca Green With Envy, basada en Nica's Dream, de Horace Silver. ****1/2

jueves, 30 de junio de 2011

Hank Mobley - No Room For Squares (RVG Edition 2000)



No Room For Squares es el resultado de dos sesiones diferentes de marzo y octubre de 1963 en las que el saxofonista Hank Mobley utiliza dos quintetos que tienen en común al baterista Philly Joe Jones. El primero se completa con Lee Morgan, Andrew Hill y John Ore; y el segundo con Donald Byrd, Herbie Hancock y Butch Warren. El comienzo es con Three Way Split, un corte funky super energético; luego, una hermosa balada con un matiz bluesy de nombre Carolyn, una de las dos composiciones pertenecientes al trompetista Lee Morgan y único momento reposado en todo el álbum; No Room For Squares toma impulso a partir del hi-hat de la batería de Philly Joe Jones, quien tiene una participación destacada a lo largo de todo el disco, y culmina en un destellante solo de Morgan; Me 'N You, el otro tema de Morgan, es similar a The Sidewinder, una de sus piezas más famosas; Up A Step y Old World, New Imports incluyen distinguidas contribuciones del trompetista Donald Byrd. Cabe consignar que cuatro temas grabados en estas sesiones fueron descartados e incluidos posteriormente en Straight No Filter de 1966. ****

jueves, 23 de junio de 2011

Bobby Hutcherson - Stick-Up! (Connoisseur cd series)



Primer disco del vibrafonista Bobby Hutcherson sin la compañía del baterista Joe Chambers, lo que se traduce en un disco menos osado en relación a los precedentes Dialogue y Components; pero ello no significa que Stick-Up! no posea sus propios méritos, sino que estilísticamente cambia de rumbo hacia un jazz más propiamente derivado del bop, en el mismo sentido que Happenings, grabado cinco meses antes. Entre sus socios en este proyecto se encuentran el pianista McCoy Tyner y el saxofonista tenor Joe Henderson, por lo que se añade un cierto dejo a Coltrane. El primer tema es una versión de Una Muy Bonita de Ornette Coleman, el resto son originales de Hutcherson, entre los cuales mi favorito es Verse. ****

viernes, 10 de junio de 2011

Wayne Shorter - Schizophrenia (Connoisseur cd series)



Schizophrenia es la culminación del período más fértil en la trayectoria ilustre de Wayne Shorter, la cual ocupa sus discos con agrupaciones acústicas para Blue Note a partir de Night Dreamer (1964). Desde Supernova, de 1969, su producción se orientará hacia la fusión sin conseguir tan distinguidos resultados. En el álbum reseñado, el saxofonista extiende los límites del jazz modal, incluyendo elementos de jazz de vanguardia, en particular en los solos y en los arreglos de la poco usual sección de vientos que conforman el propio Shorter en saxo tenor, James Spaulding en saxo alto y flauta y Curtis Fuller en trombón, mientras que rítmicamente no se aparta del bop. Tom Thumb tiene un tinte funk; Go, una línea melódica sugestiva; Schizophrenia, un poderoso intercambio de los bronces; Kryptonite pertenece a Spaulding, quien toca flauta; Miyako es una balada dedicada a su hija; y Playground incluye otra vigorosa participación de los vientos y destacados solos. *****

lunes, 6 de junio de 2011

Wayne Shorter - Etcetera (Connoisseur cd series)



Es difícil explicar porqué Blue Note esperó quince años para publicar Etcetera, un disco grabado en el momento en que Wayne Shorter alcanzara la cúspide de su desarrollo como artista. El principio es con Etcetera, una de sus oscuras y fascinantes partituras; Penelope tiene el sello de sus mejores baladas; mientras que Toy Tune es un tiempo medio donde el cuarteto suena relajado. Luego, dos largos temas, con suficiente espacio para que Shorter potencie al máximo el refinamiento de su propuesta estilística: Barracudas (General Assembly), de Gil Evans, con magníficos solos del saxofonista y del pianista Herbie Hancock; e Indian Song, una pieza exquisita. Sin tanta variedad de matices como en Adam's Apple, grabado ocho meses más tarde, pero con la misma riqueza en la ejecución y en la composición, Etcetera pertenece a lo más distinguido de su obra. *****

lunes, 23 de mayo de 2011

The Jeff Healey Band - Feel This



En Feel This, Jeff Healey acentúa aún más su aproximación al hard rock, con montones de distorsión sazonando temas como: Baby's Lookin' Hot, Evil And Here To Stay e If You Can't Feel Anything Else, este último una tentativa poco feliz de mezclar rock con rap.
Un apunte del sonido: no puedo asegurar qué tuvo en mente el ingeniero de sonido al hacer su trabajo, pero el resultado, pleno de agudos, es simplemente terrible.
No obstante lo anterior, el álbum permite disfrutar de la bonita voz de Healey y de su peculiar estilo en la guitarra. Mis preferidas: My Kinda Lover, Joined At The Heart y las accesibles baladas: Lost In Your Eyes, de Tom Petty, y You Are Coming Home. ***

sábado, 21 de mayo de 2011

The Jeff Healey Band - Hell To Pay



El guitarrista canadiense Jeff Healey tocaba la guitarra apoyada en su regaso en forma horizontal, en modo similar al de los intérpretes de pedal steel guitar, lo que le permitía ejecutar las técnicas de estirado de las cuerdas y glissandos en forma poco usual y tuvo por resultado un estilo distintivo. Hell To Pay es el segundo disco junto a su power trio que completan: Joe Rockman en bajo y Tom Stephen en batería, donde combina blues y rock. Sobresalen los covers de While My Guitar Gently Weeps, con George Harrison, su autor, y Jeff Lynne, de Electric Light Orchestra, como invitados; y de I Think I Love You Too Much, de y con Mark Knopfler, en el que ambos guitarristas tocan magníficos solos evidenciando una notable interacción, por lo que es sorprendente enterarse que el escocés no estuvo presente en el estudio cuando fue registrado el tema, sino que Healey le envió la grabación a Londres para que agregara su parte. Fantástico. ****

martes, 17 de mayo de 2011

Robben Ford - Talk To Your Daughter



En Talk To Your Daughter, es evidente la influencia del jazz-fusión, a partir de la inclusión de Russell Ferrante en piano eléctrico, lo que convierte al usual trio de Robben Ford en un cuarteto. La banda suena concisa, sólida, con sustento en una efectiva labor del baterista Vinnie Colaiuta (Frank Zappa, Joni Mitchell) y, aún más notable, del propio Ford, en sus composiciones originales Talk to Your Daughter y Ain't Got Nothin' But the Blues, y en las versiones de Help the Poor, de Charles Singleton, y de Born Under a Bad Sign, de Booker T Jones, popularizada por Albert King. La segunda mitad del disco es menos lograda debido a que los temas no son tan significativos, sonando decididamente como Larry Carlton en Revelation. ***1/2

viernes, 13 de mayo de 2011

Robben Ford & The Blue Line - Mystic Mile



El guitarrista Robben Ford tiene un precioso tono y su aproximación al blues es elegante, sofisticada. Mystic Mile es el segundo disco junto a su trio The Blue Line. He Don’t Play Nothin’ But The Blues tiene un pegadizo riff de rock; Busted Up una rítmica funky para la cual Ford usa un wah-wah; Politician es un caliente cover de Cream; el blues lento Worried Life Blues es otro cover, esta vez del pianista y cantante Big Maceo Merriweather; Misdirected Blues tiene un solo de guitarra que muestra soltura, destreza y sobriedad; Moth to a Flame también posee una cadencia funk con Ford empleando un wah-wah y una participación de Chick Corea en teclados; Trying to Do the Right Thing es una balada con un tinte latino; Say What’s on Your Mind está cantada por Roscoe Beck y presenta una sección de vientos; The Plunge es el típico instrumental orientado al jazz-rock que Ford suele incluir en sus álbumes; mientras que Mystic Mile es hipnótica, cautivante. ***1/2

miércoles, 11 de mayo de 2011

Robben Ford & The Blue Line - Waiting For A Miracle



Waiting For A Miracle es un bootleg de Robben Ford junto a su power trio The Blue Line que incluye temas grabados en vivo en Europa en 1993 y 1991, entre los cuales My Love is True, I'm Mad at You y la magnífica versión de Waiting for a Miracle, de Leonard Cohen, cantada por el bajista Roscoe Beck, permanecen inéditos. ***

lunes, 9 de mayo de 2011

Lee Konitz, Brad Mehldau, & Charlie Haden - Alone Together



Alone Together es un proyecto que reúne a dos músicos legendarios: el saxofonista Lee Konitz y el contrabajista Charlie Haden, con el, por entonces, ascendente joven pianista Brad Mehldau. Sin ensayos previos ni ideas preconcebidas, es una saludable aproximación a los standards, evitando lugares comunes e incluyendo participaciones magistrales de cada uno de los intérpretes. En las notas que acompañan al álbum, Konitz revela cuál es el secreto para hacer algo absolutamente nuevo con un viejo tema: "...Pensar que nunca lo toqué antes. Mi meta es todavía escuchar a quien está tocando conmigo y tratar de reaccionar. Eso es lo divertido de improvisar, lo que lo hace novedoso e interesante." La ausencia de baterista colabora en que el disco tenga un tono intimista, introspectivo, despojado, que se desarrolla con un andar cansino, relajado, donde la música se construye a partir de valorar cada sonido. Lo único negativo es que la mayoría de los temas, presentados en versiones de una duración generosa que excede los once minutos, a excepción de Round Midnight y You Stepped Out Of A Dream, terminan en fade. ****1/2

sábado, 7 de mayo de 2011

Brad Mehldau Trio - House On Hill



Siete de los temas que contiene House On Hill fueron grabados en una sesión de dos días en 2002, donde se registraron dieciocho canciones, las cuales fueron separadas en standards y covers (término, este último, que el pianista no considera apropiado para referirse a su recreación de temas populares, sino más adecuado a una interpretación fiel al original), que fueron incluidos en Anything Goes (Warner Bros., 2004); y originales del pianista Brad Mehldau, presentados en este álbum, junto a dos composiciones producto de una sesión más reciente (August Ending y Fear And Trembling). Mientras que los temas no son particularmente memorables, es destacable el funcionamiento adquirido por el trio: pleno de movimiento, de asociación y dotado de una mayor flexibilidad. Este es el último disco con Jorge Rossy en la batería, quien dejara la banda para dedicarse a un proyecto personal en su país natal, España, en el que toca el piano; y demuestra su adaptación a la exigencia que impone Mehldau en este período: una acentuada vivacidad y ductilidad. ***1/2

lunes, 2 de mayo de 2011

Brad Mehldau Trio - Anything Goes



Anything Goes es el regreso de Brad Mehldau a su trio luego de Largo (Warner Bros., 2002), el proyecto junto al productor Jon Brion, donde utilizara cuerdas, bronces, vibráfono y distintas secciones rítmicas. Es manifiesta la madurez alcanzada por la agrupación, que se traduce en un sonido más directo, contenido, pulido, anticipando un nuevo rumbo que llegará con el álbum Day Is Done (Nonesuch, 2005). Grabado en dos sesiones, donde también se registraron originales del pianista que fueron editados con posterioridad en el disco House On Hill (Nonesuch, 2006), combina standards como Get Happy, de Harold Arlen, o Smile, de Charlie Chaplin, en los que ejecuta un maravilloso ostinato con su mano izquierda, Anything Goes, de Cole Porter, o Skippy, de Thelonious Monk; las baladas Dreamsville, The Nearness of You y I've Grown Accustomed To Her Face; y versiones de canciones populares como el bolero Tres Palabras, de Osvaldo Farrés, Everything In Its Right Place, de Radiohead, o Still Crazy After All These Years, de Paul Simon. ****

jueves, 28 de abril de 2011

Brad Mehldau - The Art Of The Trio: Volume One



La serie The Art Of The Trio fue un considerable suceso en el mundo del jazz en la segunda mitad de los noventa.
La conjunción entre la aparición de un pianista que generó una expectativa singular y el ingenioso título, ocurrencia del productor Matt Pierson, renovó el interés por uno de los formatos más transitados en el género.
Este es el primer volumen, que contiene standards y originales, en los que Brad Mehldau muestra una relación empática con el contrabajista Larry Grenadier y el baterista catalán Jorge Rossy, y un notable sentido melódico que expone en las atractivas versiones de Blame It on My Youth y I Fall in Love Too Easily.
Quizás sólo le falte un poco de pimienta a esta promisoria primera entrega, la que añadirá en el segundo volumen: The Art of the Trio Volume 2: Live at The Village Vanguard. ***1/2

sábado, 23 de abril de 2011

Roscoe Mitchell The Note Factory - Far Side



Miembro fundador del mítico Art Ensemble of Chicago, el saxofonista y flautista Roscoe Mitchell junto a su agrupación The Note Factory, que incluye al trompetista Corey Wilkes, dos pianistas entre lo más selecto de las nuevas generaciones: Vijay Iyer y Craig Taborn, dos contrabajistas y dos bateristas, mezcla elementos de música creativa improvisada y de clásica contemporánea. En el inicio, Far Side/Cards/Far Side es un tema con tres partes que transmite movimiento, dinámica, con un desarrollo in crescendo que culmina en un incendiario solo de Mitchell en soprano donde usa la técnica de respiración circular sobre un acompañamiento de los pianistas que recuerda las figuras de Cecil Taylor. El disco continúa con tres extensas improvisaciones, amorfas, atonales, que expresan interacción, donde cada intérprete participa de la construcción grupal respondiendo a las ideas musicales de los demás. El álbum refleja la persistente búsqueda de un artista virtuoso, inconformista, curioso. ***1/2

miércoles, 13 de abril de 2011

John Abercrombie Quartet - Wait Till You See Her



Wait Till You See Her es la cuarta entrega del cuarteto que John Abercrombie iniciara en el año 2000, que mantiene en su integración a: Mark Feldman en violín y Joey Baron en batería, e introduce una modificación: Thomas Morgan en lugar de Marc Johnson en contrabajo. El estilo propio de la agrupación es el característico jazz de cámara que ha hecho merecedor de un significativo reconocimiento al sello. Abercrombie se caracteriza por el sostenido alto nivel de su producción para ECM, donde graba desde mediados de los setenta. Es admirable la interacción que logra con Feldman, a la vez que el sonido de su guitarra abruma por su calidez, sofisticación y exquisitez. Es atractivo el uso de la técnica de jalar las cuerdas que debe haber copiado de Jim Hall. Sus composiciones son siempre consistentes, destacándose la plácida quietud que transmite Sad Song; todo el swing de Line-Up, cuya melodía es tocada al unísono por el dúo Abercrombie-Feldman; una dedicatoria para el también notable guitarrista Ralph Towner que recibe el nombre de Out of Towner; plan straight-ahead en Trio; y la influencia de sonidos originarios de Medio Oriente en el tema con el cual finaliza el álbum, llamado convenientemente Chic of Arabic, que recuerda su colaboración con Charles Lloyd, devoto de esos sones, por ejemplo en The Caravan Moves On, perteneciente a Hyperion With Higgins. El único standard: Wait Till You See Her, es pura melancolía. Puede que lo hayas escuchado antes tocar de este modo, pero no por ello es menos asombroso. ****

jueves, 31 de marzo de 2011

Nobuyasu Furuya Trio - Bendowa



Nobuyasu Furuya, multiinstrumentista japonés residente en Lisboa, acompañado por una sección rítmica portuguesa integrada por: Hernani Faustino en contrabajo y Gabriel Ferrandini en batería, toca free jazz de un modo sofisticado, refinado, pero sin perder visceralidad; vigoroso mas siempre controlado.
El nombre del disco, Bendowa ("Una conversación sobre la práctica sincera del camino"), proviene del libro escrito en 1231 por Dogen Zenji, el monje que fundara Soto Zen, una de las tres escuelas en el budismo Zen japonés.
Pueden destacarse: el track 4, con Furuya en flauta y tenor y un sólido aporte de la base rítmica, lleno de color; y el track 5, donde Furuya usa el clarinete bajo y el tenor, el más intenso. ****

sábado, 26 de marzo de 2011

Trespass trio - "...was there to illuminate the night sky..."



Recorre "...was there to illuminate the night sky..." un tono grave, urgente, en el cual el trio está decidido a hacer una declaración, un llamado de atención. Like a drum oficia a modo de preludio, donde los tintes bajos del saxo barítono y el contrabajo ejecutado con el arco anuncian los aires funestos que dominarán la música, introduciéndonos en Sad salsa in F, que se construye a partir del discurso severo de Martin Küchen en el saxo alto que, poco a poco, gana en intensidad sobre una sección rítmica que toca lo más cerca del groove posible en todo el disco; Zanussi times comienza con Küchen nuevamente en el saxo alto imitando un grito que evoca a Albert Ayler; Walking the dead tiene un cariz tenso, ominoso; "...was there to illuminate the night sky..." es un clamor sostenido, desgarrador, desolador; Strid comes es frenética, visceral, catártica; en The indispensable warlords el contrabajo interpretado por Per Zanussi marca un pulso inexorable, despiadado, y contiene otra intervención emotiva del saxofonista; mientras que en el final, la banda repite la composición que da nombre al álbum. Trespass trio logra, como pocos, una magistral transposición al plano musical de su discurso político. ****1/2

jueves, 17 de marzo de 2011

Michaël Attias - Renku in Coimbra



El saxofonista Michaël Attias logra suma expresividad no a partir de una interpretación vigorosa o vehemente, aún cuando la misma no carece en absoluto de tales atributos (v.gr., Sorry), sino por sutileza y sensibilidad, como si al tocar ejecutara delicados trazos, uno tras otro sobre un inmaginario lienzo, hasta alcanzar la forma final. Las improvisaciones parecen cavilaciones, la traducción en sonidos de lo que ocurre en la mente de una persona ocupada en sus reflexiones. El nombre elegido para denominar a su trio, Renku, proviene de una composición poética colectiva tradicional japonesa, también llamada haikai-no-renga, y pone de manifiesto la importancia que la interacción entre los miembros tiene en el abordaje de la música. Dos de las composiciones pertenecen a Attias, tres al contrabajista Hébert, una a Jimmy Lyons y la restante a Lee Konitz. En el comienzo, Creep se desarrolla minuciosamente en tiempos reposados; a continuación, tienen lugar el lirismo de Thingin', la abstracta Do & The Birds, Fenix Culprit, único tema en el que se incorpora el pianista Russ Lossing y el más intenso, Wels es una demostración de fluidez y dinámica en un tiempo medio y Universal Constant tiene un continuo groove impulsado por el contrabajo de Hébert. A modo de conclusión, repiten el primer tema, en esta ocasión con Hébert usando el arco para tocar al unísono junto a Attias. ****

sábado, 12 de marzo de 2011

Marty Ehrlich Rites Quartet - Things Have Got To Change



Things Have Got To Change (Las cosas tienen que cambiar), es el optimista título de este trabajo de Marty Ehrlich junto a su Rites Quartet, una banda que es una suerte de tributo a su mentor Julius Hemphill. Este álbum presenta la novedad de incluir dos composiciones no grabadas pertenecientes al desaparecido saxofonista: Dung y Slices Of Light. Es notable la interacción del grupo y el uso de la técnica de pizzicato por el chelista Erik Friedlander en Rites Rhythms y Song For Tomorrow; el tono nostálgico de Some Kind of Prayer, con James Zollar en trompeta mutada; y la emotividad, el matiz grave de From Strength to Strength. En el final, una remozada versión de Dogon A.D., el clásico de Hemphill. La música, que tiene la profundidad de una oración o un exhorto y la alegría y la vitalidad de una conmemoración, es conmovedora, vigoroza y exultante. ****1/2

lunes, 28 de febrero de 2011

Steve Coleman And Five Elements - The Tao Of Mad Phat < Fringe Zones >



Grabado en vivo en el estudio frente a una pequeña audiencia, con la idea de capturar y transmitir aquello que la gente experimenta cuando los ve tocar en vivo, The Tao Of Mad Phat suena fresco, más liviano que en las ediciones posteriores de los Five Elements. La banda, en su versión reducida a quinteto, salvo en Polymad Nomads donde se suman Roy Hargrove en trompeta y Josh Roseman en trombón, interpreta el discurso M-BASE con naturalidad, con gran fluidez. El tema que da nombre al álbum, comienza con un solo de Coleman y es demostrativo del singular sentido rítmico de la banda, luciendo el guitarrista David Gilmore. Little Girl On Fire, tiene un extenso desarrollo en su inicio orientado hacia el post-bop para luego continuar con la característica rítmica funk. ****

miércoles, 23 de febrero de 2011

Steve Coleman And Five Elements - The Sonic Language of Myth: Believing, Learning, Knowing



En The Sonic Language of Myth, Steve Coleman agrega varios bronces, cuerdas y vocalistas que expanden el espectro sonoro usualmente utilizado por el saxofonista, aportando color, densidad y un matiz acústico. Desde luego que no están ausentes sus característicos ritmos funk sincopados y sus líneas melódicas zigzagueantes.
El álbum refleja la visión estética de Coleman, enriquecida por la investigación realizada en Africa, Egipto e India, centrada en fuentes astrológicas, astronómicas y metafísicas de kemetismo. En las notas que acompañan al disco compacto expone extensamente el significado de su concepción musical.
El tema más intrigante es Seth, que comienza con una introducción de más de seis minutos donde destaca el uso particular de las voces de Rosangela Silvestre y el barítono Erik Charlston, en modo similar a la utilización que hiciera Henry Threadgill en sus discos de mitad de los noventa, para luego dar paso a un sostenido pulso funky. Los coros en Ausar añaden un aire ceremonial, litúrgico, solemne, que junto a las cuerdas y al piano de Vijay Iyer tiñen la música de un tono oscuro. Heru, lo más cercano al sonido que Coleman exhibiera en los ochenta, finaliza con un logrado encuentro de los vientos. Desearía que, en sucesivas entregas, profundizara el empleo de las cuerdas, lo cual no ha hecho a la fecha, pero lo cierto es que la suma de los nuevos ingredientes contenidos en este disco representa toda una gama de posibilidades que agrega valor a su singular propuesta. ****

miércoles, 16 de febrero de 2011

Dans les arbres - Dans les arbres



Construyendo sonidos. Dans les arbres (En los árboles) es una agrupación compuesta por tres noruegos (Grydeland/Wallumrød/Zach) y un francés (Charles), que elabora con detenimiento, en detalle, utilizando escasos materiales, entre ellos el silencio, una constelación de texturas e imágenes sonoras que traducen emociones, tal cual indica el nombre de los temas. Más cerca de la música clásica contemporánea que del jazz, son improvisaciones aunque parecen composiciones escritas. Los instrumentos son acústicos pero, en diversas oportunidas, suenan como electrónicos. Las melodías son oblicuas, no convencionales. Charles toca en el clarinete líneas profundas, tal como vibraciones sostenidas, para crear tensión. Wallumrød usa un piano preparado, lo cual sumado al estilo minimalista, emparenta está música con la de John Cage. La percusión de Zach es colorida, atmosférica. A su vez, Grydeland introduce la novedad de un banjo preparado, el cual toca con sus dedos o un arco, alejándose diametralmente de lo esperado en la interpretación de este instrumento. Sutil, oscuro, introvertido, no exento de intensidad (L'indifférence), elusivo. Dans les arbres persigue un nuevo lenguaje, un modo propio de expresar aquello que quieren decir. ****

miércoles, 26 de enero de 2011

Michael Formanek - The Rub And Spare Change



The Rub And Spare Change es el primer álbum del contrabajista Michael Formanek para el sello ECM, en el cual se acompaña de renombrados intérpretes del neyorquino barrio de Manhattan: Tim Berne en saxo alto, Craig Taborn en piano y Gerald Cleaver en batería. Comienza con Twenty Three Neo, una composición en dos partes que reproduce, inesperadamente, los climas propios de la discográfica. El cautivante piano de Taborn enseña el camino, seguido por Formanek usando el arco y por serpenteantes, ondulantes sones originados por el alto de Berne, que en su parte final se vuelve urgente. A partir del segundo tema, el que da nombre al disco, se escuchan los sonidos que caracterizan al ambiente de jazz de la mencionada plaza. También dividida en dos secciones, en la primera tiene las distintivas frases circulares del saxofonista, uno de sus encendidos solos enmarcado por sabios y profundos acordes del pianista y un propulsivo groove de Cleaver; mientras que, en la segunda, la música gradualmente se vuelve abstracta y free. Inside The Box es lo más próximo al bop que ellos acostumbran estar e incluye un fantástico solo de Taborn. Jack's Last Call presenta un trio de piano y sugiere distintos estados de ánimo, desde un comienzo reflexivo a un final intenso. Tonal Suite es una composición que parece de Berne y contiene otro salvaje solo de Taborn. Finalmente, en Too Big To Fail pueden percibirse en plenitud las líneas melódicas reiterativas y sincopadas propias de Berne sobre un percusivo piano de Taborn. ****

sábado, 22 de enero de 2011

Sei Miguel - Esfíngico: Suite For A Jazz Combo



Es bienvenido que Portugal, un país sin ostensible tradición en el género y en el marco de la crisis que afecta a la industria de los fonogramas, pueda alumbrar un sello discográfico que signifique nuevos aires (Clean Feed) y una propuesta tan personal e innovativa como la que representa Esfíngico, lo que constituye la demostración cabal de que el jazz posee una saludable capacidad de reinventarse a sí mismo.
Con economía de elementos y empleando una combinación poco frecuente de instrumentos para una banda de jazz: pocket trumpet, cuya traducción al español sería "trompeta de bolsillo", trombón alto, electrónicos, bajo eléctrico y un set pequeño de batería, Sei Miguel y su banda logran ser muy expresivos. Las composiciones -se trataría de algo así como improvisación preconcebida- están organizadas en forma de suite y se desarrollan con minuciosidad, teniendo en cuenta el espacio y los silencios como parte fundamental de la música y evitando aquello que es superfluo o sobreabundante. Es significativo el modo en que se incorpora la electrónica de manera creativa a partir de la inclusión de Rafael Toral utilizando un "circuito feedback de resonancia modulada" y de la forma de tocar los beats por el percusionista César Burago. ****

sábado, 15 de enero de 2011

Julian Argüelles Trio - Ground Rush



Ground Rush es el segundo disco del trío del saxofonista británico Julian Argüelles, en esta oportunidad junto a Michael Formanek en contrabajo y Tom Rainey en batería, ambos acompañantes regulares de Tim Berne, a continuación de Partita, publicado por la discográfica Basho Records en 2006.
Más allá de que una interpretación perteneciente al estilo denominado post-bop, aunque no exenta de cierta inspiración vanguardista, y el formato saxo-contrabajo-batería signifique tener por referencia ineludible a Sonny Rollins, el saxofonista muestra versatilidad, adoptando diferentes enfoques a la hora de elaborar su discurso en composiciones propias, salvo Filthy Rich y Know Excuses, producto de la colaboración grupal.
En el  inicio, una “bopera” Mr MC recuerda a Mr PC, de John Coltrane, incluido en el rupturista Giant Steps (Atlantic, 1959), From One JC to Another es una balada de tono grave, elegíaco en la cual Argüelles manifiesta sutileza y lirismo, Filthy Rich y Know Excuses, se desarrollan como improvisaciones colectivas en las que los integrantes de la agrupación muestran todo lo bien que pueden tocar juntos, Bulerías encuentra al solista vital y desenvuelto, pero siempre controlado, seguido por una sección rítmica aplomada, que lo apuntala en los distintos escenarios sugeridos por el líder, a modo de conclusión, Redman, una pieza dedicada al saxofonista Dewey Redman, aproxima la sonoridad de este trío al de Ornette Coleman.
Julian Argüelles puede preciarse de tener frescura, elasticidad estilística, ser accesible y deleitable. ****

miércoles, 12 de enero de 2011

Angles - Epileptical West: Live in Coimbra



Angles es un sexteto cuyos miembros pertenecen a lo más granado del jazz originario de Escandinavia, conteniendo integrantes de: Exploding Costumer, Firehouse, Atomic, School Days y AALY Trio. La música incluida en Epileptical West: Live in Coimbra, free-bop más polirritmos africanos, vibra funky en Epileptical West y En Svensk Brownie, tiene gran energía e intensidad. Las composiciones son originales del saxofonista Martin Küchen, entre las que se incluye una nueva versión de Every Woman is a Tree, título del primer disco de la banda. Son muy buenas melodías, entre las cuales Today is better than tomorrow y Let's tear the threads of trust, evocativas de un conjunto de emociones y sentimientos tales como enojo, tristeza y esperanza, tienen algo épico, transmitiendo sufrimiento y dolor por el pasado, pero también confianza en el porvenir. ****1/2