domingo, 30 de diciembre de 2012

Prince & The New Power Generation - The Love Symbol Album



El segundo álbum de Prince & The New Power Generation tuvo por título un símbolo impronunciable que más tarde identificaría al propio artista. La banda suena tremendamente bien, llena de energía, color y destreza, ganando en cohesión con respecto a su primer álbum, el destacado Diamonds and Pearls. El disco, luego conocido como "The Love Symbol Album", incluye interludios en los que participa la actriz Kirstie Alley en el rol de entrevistadora con la intención de añadir una línea argumental propia de un proyecto de ópera rock no concretado, pero lo que subsiste son las exquisitas canciones. Sexy M.F. es sencillamente brutal (el dato curioso es que en la edición norteamericana la palabra "fucker" es reemplazada por un alarido). ****

sábado, 22 de diciembre de 2012

Prince & The New Power Generation - Diamonds and Pearls



Luego de su exitosa agrupación de los ochenta, the Revolution, y de componer parte de la banda sonora de la película Graffiti Bridge, que resultó un fracaso, Prince resurgió a principios de los noventa con una nueva banda: the New Power Generation, menos rockera y salvaje, más pulida y sofisticada. Combinando elementos de rock, pop, jazz, soul, R&B, hip-hop, Prince creó una música estilizada, exquisita, glamorosa, provocativa, demostrativa de las enormes cualidades de un artista que supo reunir talento y ventas. Diamonds and Pearls es el nombre del disco debut e incluye temas fantásticos, tales como: Diamonds and Pearls, Cream, Strollin', Willing and Able, el demoledor funk Gett Off, Money Don't Matter 2 Night e Insatiable, entre otros. Prince logró dar el paso hacia una nueva década, mostrándose inspirado, creativo, revitalizado, mientras que la agrupación que lo acompaña, que incluye al rapero Tony M y a la magnífica cantante Rosie Gaines, debe tener su sitio entre las más sólidas por aquellos años. ****

sábado, 15 de diciembre de 2012

Various Artists - Stolen Moments: Red Hot + Cool



Stolen Moments: Red Hot + Cool es un compilado realizado por Red Hot Organization a modo de campaña de concientización sobre el virus HIV. El álbum es una exitosa muestra del estilo denominado acid-jazz, incluyendo originales que reunen a grupos de hip-hop y músicos de jazz. Mis favoritos: Positive, de Michael Franti & Spearhead, con Charlie Hunter en guitarra, y la estimulante Trouble Don't Last Always, interpretada por la banda Incognito con la fantástica voz de Carleen Anderson y una exquisita introducción de piano de Ramsey Lewis. ***1/2

sábado, 8 de diciembre de 2012

Miles Davis - Doo-Bop



Doo-Bop encuentra a Miles (en su último álbum en estudio), una vez más, tocando una música que incorpora los sonidos de su tiempo e incluso procura anticiparse a aquellos que están por venir. Es el turno del estilo que se estaba gestando desde fines de los ochenta, primordialmente en Inglaterra, y que se desarrollaría durante los noventa, llamado acid-jazz. Sólo que, en esta oportunidad, el resultado no fue lo esperado. **1/2

lunes, 3 de diciembre de 2012

Miles Davis - Tutu



Tutu es un disco que refleja claramente su pertenencia al jazz (fusión) que dominó la década de los ochenta: sonido de sintetizadores, baterias electrónicas reproduciendo beats repetitivos, bajos eléctricos tocados de un modo, en mi gusto, exasperante. ¿Cómo acostumbrarse a escuchar a Miles en este contexto? No obstante ello, creo que la música incluida en este álbum tiene un sello personal que la distingue de tanta otra grabada por esos años. Tutu es el producto de la colaboración de Davis con el bajista Marcus Miller, quien además se encarga de la mayor parte de los instrumentos. Lo destacable: la trompeta de Davis sigue sonando maravillosamente y algunas pistas (Tutu, Tomaas) son magníficas. ***

lunes, 19 de noviembre de 2012

Billy Bang - Prayer for Peace



Prayer for Peace es el último disco publicado en vida por el desaparecido violinista Billy Bang. Empleando un instrumento no frecuente para el jazz, la influencia de los también violinistas Leroy Jenkins y Ornette Coleman fue determinante en la decisión de retomar su interpretación luego de tocar percusión a principios de los sesenta, y de involucrarse en la escena Loft de Nueva York, junto a artistas como Sam Rivers y Frank Lowe, a inicios de los setenta. Próximo a la tradición en Only Time Will Tell y Jupiter's Future (dedicada a su mentor Sun Ra), sonidos de Asia en Prayer for Peace, influencias latinas en At Play in the Fields of the Lord y Chan Chan (Compay Segundo), donde al quinteto (el propio Bang, James Zollar en trompeta, Andrew Bemkey en piano, Todd Nicholson en contrabajo, Newman Taylor-Baker en batería) se agregan los percusionistas Milton Cardona y Joe González. Es destacada la participación llena de energía de James Zollar, el pianista Andrew Bemkey tiene una labor sutil y acabada aportando un atractivo ostinato en Dance of the Manakin y el violinista destila frescura y toca fantásticos solos en Dark Silhouette y Jupiter's Future. ****

martes, 13 de noviembre de 2012

Buenos Aires Jazz.12



Es bienvenida una nueva edición del Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires, que se realizará entre los días 21 y 26 de noviembre, en particular en un año en el que las visitas han sido escasas. En esta oportunidad, se presentarán: el exquisito trompetista norteamericano Tom Harrell y su quinteto, con el que ha grabado cinco discos revitalizando el jazz moderno, el pianista oriundo de Detroit Kirk Lightsey, el prestigioso guitarrista Ralph Towner, fundador de la agrupación Oregon, cuya interpretación combina una formación clásica e improvisación en jazz, tocando junto al saxofonista argentino residente en Roma Javier Girotto, el aventurado contrabajista norteamericano Mark Helias, el trio del incendiario guitarrista francés Marc Ducret, el baterista y compositor John Hollenbeck, asociado a la vanguardia neoyorquina y líder de The Claudia Quintet, quien actuará junto a la big band del Conservatorio Manuel de Falla, el guitarrista norteamericano David Gilmore, otrora integrante del colectivo M-Base de Steve Coleman, y la paulista Banda Mantiqueira, entre otros. Entre los locales se destacan: Guillermo Klein y su quinteto, que incluye a la cantante española Carme Canela, y el noneto del trompetista Juan Cruz de Urquiza revisitando a Charly García. Además, tendrán lugar las clásicas secciones del Festival: los cruces entre músicos extranjeros y argentinos, las clínicas y las proyecciones de material fílmico que tiene al jazz por leit motiv.

sábado, 10 de noviembre de 2012

Ahmed Abdullah's Ebonic Tones - Tara's Song



El trompetista Ahmed Abdullah, integrante de la Arkestra de Sun Ra, comenzó a ganar prestigio en la ebulliciente escena Loft de Nueva York, en los setenta. Tara's Song es un álbum editado en 2005 por sello finlandés Tum. Sans Souci, de Gigi Gryce, tiene solos de Abdullah, de Alex Harding en saxo barítono y uno poco ortodoxo mas efectivo de Billy Bang en violín. Lonely Woman, el clásico de Ornette Coleman, es tocada con fervor en un tiempo acelerado (el arreglo pertenece a Bang). Tara's Song es profundamente triste. Me gusta la sección rítmica integrada por el contrabajista Alex Blake y el baterista Andrei Strobert: monolítica, propulsiva. La banda interpreta una música que es una mixtura de estilos, rejuveneciendo la tradición y transmitiendo alegría y regocijo. ****

martes, 30 de octubre de 2012

Scott Fields Ensemble - Dénouement



Publicado en 1999 por el sello propio del guitarrista Scott Fields, de nombre Geode, Dénouement es reeditado por Clean Feed en 2007. En este álbum, el ensamble adopta la forma de un infrecuente doble trio de guitarra, incluyendo al guitarrista Jeff Parker liderando el segundo trio. Evocando el doble cuarteto con el que Ornette Coleman grabó el seminal Free Jazz, Fields sostiene en las notas que su idea de algo doble son conjuntos en los que uno fuese la imagen del otro reflejada en un espejo, uno en cada canal. Quería gemelos que encajaran como piezas de un rompecabezas. Las composiciones son inasibles, esquivas, estructuralmente complejas y sin resolución aparente, donde los elementos simétricos son yuxtapuestos y enfrentados en singular contrapunto. El tono de los guitarristas es limpio y la interpretación está enraizada en el free jazz, los contrabajistas tienen una fuerte presencia utilizando el arco o el pizzicato y los bateristas mantienen firmemente el pulso sobre intrincados ritmos. ****

miércoles, 17 de octubre de 2012

Mark O'Leary - On the Shore



El guitarrista irlandés Mark O'Leary grabó On the Shore con los trompetistas Jeff Kaiser y John Fumo conformando un inusual cuarteto que completa el baterista Alex Cline. La música es etérea, espacial, evocativa, tal paisajes sonoros alusivos a Cork Harbour, lugar de residencia de O'Leary, cuya ejecución elegante y sutil recuerda a guitarristas de jazz-rock y rock progresivo, mientras que ambos trompetistas agregan color, sin tocar solos, en rara ocasión dialogando con O'Leary (Voices from the past). La atmósfera plácida y relajada del disco sólo es interrumpida en Staring at the Sun y en la segunda mitad de Point Sketch, donde la interpretación de la banda cobra intensidad estimulada por las vibrantes mas contenidas improvisaciones del líder. ***1/2

sábado, 13 de octubre de 2012

Scott Fields Ensemble - Beckett



Para grabar Beckett, el guitarrista Scott Fields se basó en la obra del dramaturgo irlandés Samuel Beckett, como lo hiciera con anterioridad con el escritor y cineasta norteamericano David Mamet en Mamet (Delmark, 2001). En la actualidad, se encuentra preparando un disco sobre Charles Bukowski. La música interpretada por el cuarteto que integran el propio Fields en guitarra eléctrica, Matthias Schubert en saxo tenor, Scott Roller en chelo y John Hollenbeck en percusión puede definirse como improvisación estructurada y su éxito depende, dada su alta dósis de riesgo y singularidad, en una altísima empatía entre los ejecutantes y en la acabada comprensión de un libreto que sólo es esbozado. El desarrollo de las composiciones es impredecible, con continuos parar y seguir, las melodías son angulares y cambiantes, todo lo cual otorga un carácter fragmentado a la música. Fields usa en este álbum el sistema de composición "post-tonal" de Stephen Dembski, particularmente apreciable en el tema Play (fabulosa interacción grupal). Come and Go es reflexiva, What Where es torrencial (explosiva labor de Matthias Schubert) y Rockaby extrañamente swingeante. Beckett es uno de esos discos que requiere repetidas escuchas para ser apreciado. ****

sábado, 6 de octubre de 2012

Roxana Amed - Inocencia



Cuarto álbum en estudio de Roxana Amed, Inocencia es un acercamiento al folklore argentino, ya evidenciado en su disco anterior a dúo con el pianista Adrián Iaies, llamado Cinemateca finlandesa y dedicado a versionar la obra del emblemático pianista y compositor Gustavo "Cuchi" Leguizamón y la del notable pianista y compositor de jazz Thelonious Monk. En esta ocasión, además de sus personales canciones, interpreta populares obras de "Chacho" Etchenique, Atahualpa Yupanqui, Eduardo Falú y Jaime Dávalos, Eduardo Lagos, incluyendo un estreno de la autoría de Pedro Aznar, acompañada por, entre otros, los pianistas: Guillermo Klein (contribuye también con magníficos arreglos), Adrián Iaies y Manolo Juárez. Las piezas transmiten nostalgia, desencanto, sentimientos recorridos anteriormente en sus primeras ediciones: Limbo y Entremundos, y se nutren de la riqueza armónica propia del jazz. Recordando su inocencia, Roxana Amed abraza la madurez creativa. ****

miércoles, 26 de septiembre de 2012

Hernán Jacinto - Lua



Lua, primer disco del pianista Hernán Jacinto (Javier Malosetti, Pedro Aznar), está compuesto de originales, una canción de Charly García (Cuchillos) y dos standards (Nefertiti, Like Someone in Love). El piano ocupa un rol protagónico, usualmente en el contexto de un trio en los temas propios más próximos a la tradición del jazz (Arenales Blues, Brad, Siete), a excepción de Generador, interpretada con un quinteto; mientras que las orquestaciones son simples y añaden matices en las piezas que tienen un tinte latino (A-Frik) o podrían adoptar una forma de canción (Lua, Gaviota). ***

domingo, 9 de septiembre de 2012

The Nels Cline Singers - The Giant Pin



The Giant Pin, segunda entrega de The Nels Cline Singers, vuelve a mostrar al trio sentiéndose cómodo en territorios distantes: su acercamiento al jazz es simple, despojado, con un sonido limpio, cristalino, en la guitarra (Blues, Too; Bright Moon); en contraste, su aproximación al rock combina energía, fuerza, emotividad, construyendo los temas laboriosamente, tal si se tratase de tejer una tela de araña, partiendo de un simple riff, continuando con un salvaje solo y añadiendo sabiamente efectos, loops y electrónicos, enriqueciendo sin sobrecargar (Fly Fly, He Still Carries A Torch For Her, Something About David H., Square King). ****

sábado, 1 de septiembre de 2012

Erik Friedlander - Prowl



Erik Friedlander, hijo del célebre fotógrafo Lee Friedlander, integró diversas agrupaciones de John Zorn (Bar Kohba, Masada String Trio) y formó parte de proyectos de Dave Douglas y Myra Melford, tocando un intrumento, el cello, poco usual para el jazz. Prowl es el cuarto disco de su cuarteto Topaz (en rigor, el nombre del primero de ellos), destacándose el alto grado de interacción grupal. Friedlander tiene una interpretación virtuosa, arriesgada, y junto a Andy Laster en saxo alto o clarinete ejecutan al unísono las líneas melódicas con asombrosa naturalidad; mientras que los hermanos Takeishi tienen amplio espacio para crear texturas compuestas de métricas irregulares que obran de sostén, en ausencia de un instrumento como un piano o una guitarra que provean la armonía. Las composiciones están basadas en ritmos africanos, a excepción de A Closer Walk With Thee, una pieza tocada por bandas de música de Nueva Orleáns en cortejos fúnebres. ****

martes, 21 de agosto de 2012

Myra Melford Be Bread - The Image of Your Body



The Image of Your Body está inspirado en un viaje que la pianista Myra Melford realizara por India y en un poema del mismo nombre perteneciente al poeta Sufi Rumi. Myra Melford emplea un armonio (instrumento de viento con teclado usado en música religiosa en el sur de Asia) para hacer confluir con elegancia las tradiciones musicales del Este y el Oeste. Be Bread, denominación de la agrupación que la acompaña, es un cuarteto (en rigor dos), uno de cuyos miembros es sustituido por otro. Brandon Ross toca el banjo en The Image of Your Body y Be Bread, añadiendo un tono rústico en los temas más próximos a los sonidos indostaníes; mientras que se sirve de una guitarra eléctrica en To The Roof, la composición más extensa, que tiene un desarrollo in crescendo, y en If You've Not Been Fed, donde muestra la potencia asociada al jazz rock. Cuong Vu, que reemplaza a Ross en cuatro piezas, aporta sus característicos sonidos profundos, incorpóreos (Equal Grace), líricos (Your Face Arrives In The Redbud Trees), vibrantes (Fear Slips Behind; Yellow Are Crowds of Flowers, II); estas últimas composiciones son las más influenciados por el free jazz, con audaces solos tanto de Vu como de Melford. Stomu Takeishi en bajo y Elliot Humberto Kavee en batería conforman una sección rítmica versátil que asiste con destreza a los solistas en los distintos escenarios que la música de la compositora sugiere. Melford compuso las piezas en una melódica por lo que destacan las melodías, agregándoles sensibilidad y un tono espiritual, contemplativo, que se conjuga con la inspirada participación de los finos interpretes mencionados. ****

sábado, 11 de agosto de 2012

Cuong Vu - Come Play With Me



Come Play With Me, tercer disco en solitario del trompetista de origen vietnamita Cuong Vu (Chris Speed, Myra Melford, Pat Metheny Group), continúa la senda iniciada en Pure (Knitting Factory, 2000). Acompañado por el bajista Stomu Takeishi y el baterista John Hollenbeck, con quienes conforma un power trio, Vu parece inspirarse en temas del período eléctrico más abstracto de Miles Davis, precedente de la música ambient, tales como los descartes de Bitches Brew, y añadir sonidos próximos a la electrónica para situar al jazz en el presente siglo. Composiciones que podrían incluirse en la banda de sonido de una película de ciencia ficción, con mucho espacio y una cualidad hipnótica, que poco a poco cobran intensidad, donde el trompetista combina una exposición inconcreta, espacial (Dreams, Come Play With Me), intensa (Vina's Lullaby), aventurada e innovativa (Amniotic), lírica (Safekeepings), frenética (Again and Again and Again); exhibiendo convicción y solidez. ****

sábado, 4 de agosto de 2012

John Coltrane - Newport '63



Newport '63 es la compilación de tres temas grabados en maravillosas versiones en el Festival de Jazz de Newport, en 1963: I Want to Talk About You, My Favorite Things e Impressions, que tienen como particularidad el hecho de que el baterista Roy Haynes reemplaza al usual miembro del cuarteto Elvin Jones; más el agregado de Chasin' Another Trane, extraida de las legendarias sesiones en el Village Vanguard de 1961, única pieza en la que toca el mencionado baterista. *****

sábado, 28 de julio de 2012

John Coltrane - Coltrane Jazz



Coltrane Jazz es el disco ubicado cronológicamente entre los clásicos Giants Steps y My Favorite Things. Siete de los ocho temas incluidos en el álbum original fueron grabados en diciembre de 1959 y presentan al legendario saxofonista John Coltrane acompañado de: Wynton Kelly en piano, Paul Chambers en contrabajo y Jimmy Cobb en batería (una sección rítmica asociada a Miles Davis); mientras que Village Blues pertenece a una sesión de octubre de 1960 y participan: el pianista McCoy Tyner, el contrabajista Steve Davis y el baterista Elvin Jones, anticipando el clásico cuarteto de los sesenta, con la sustitución de Jimmy Garrison por Davis. Contiene tres standars: Little Old Lady, My Shining Hour y I'll Wait and Pray, y originales de Coltrane, entre los que se destaca Like Sonny, una composición que contiene una línea melódica de tinte oriental, dedicada al genial saxofonista Sonny Rollins. Esta edición añade dos bonus tracks: una toma alternativa de la balada I'll Wait and Pray y una versión anterior de Like Sonny registrada en abril de 1959 junto al siguiente personal: Cedar Walton en piano, Paul Chambers en contrabajo y Lex Humphries en batería. ****

miércoles, 25 de julio de 2012

Miles Davis - "Four" & More



El célebre concierto del quinteto de Miles Davis realizado el 12 de febrero de 1964 en el Philharmonic Hall de New York fue editado en dos álbumes independientes utilizando el siguiente criterio: My Funny Valentine incluye las baladas y Four & More los temas de tiempo rápido. La primera mitad de los sesenta fue un período de transición para Davis, durante el cual graba un sólo disco en estudio (Seven Steps to Heaven) y realiza diversas giras, buscando encontrar la formación ideal para su agrupación que se concretará en 1965 con el denominado segundo quinteto clásico. En 1964, había dado con los integrantes de la sección rítmica (Hancock-Carter-Williams), mientras continuaba probando saxofonistas, quienes permanecieron por un breve lapso ocupando su sitio. En la mencionada cita, sería el turno de George Coleman, de quien el genial trompetista confesaría en su autobiografía que nunca lo escuchó tocar mejor que esa noche. Four & More contiene originales y standards interpretados en forma acelerada, aún en el caso de la balada There Is No Greater Love, ofreciendo dósis difíciles de igualar en términos de dinámica, energía y excelencia técnica. ****1/2

sábado, 21 de julio de 2012

Miles Davis - Kind of Blue (Columbia/Legacy 1997)



Considerado por no pocos el álbum más trascendente en la entera historia del jazz, Kind of Blue es elegante, exquisito. Grabado en 1959, captura el ánimo relajado, fluido, sensual de los cincuenta, y la complejidad propia de la década posterior. Estilísticamente significa el inicio del jazz modal, que se caracteriza por improvisaciones en las que se usan modos o escalas en vez de acordes. Lo que habría que indagar es cuál es el motivo de su aceptación masiva, por qué se ha convertido en uno de los discos más vendedores del género. En tal sentido, digo que es una música muy accesible, que puede ser disfrutada por quienes no acostumbran a escuchar jazz; todas las piezas son baladas o están tocadas en un medio tiempo; son interpretadas sin disonancias, sin estridencias; mientras que los solos son perfectos: lúcidos, económicos, acabados, virtuosos. *****

sábado, 14 de julio de 2012

Chris Speed - Emit



Constance and Georgia, primera pieza de Emit, permite apreciar que el Yeah NO Quartet logró mejorar todo lo bueno mostrado en los álbumes anteriores (Yeah No y Deviantics), interpretando una música colorida que incluye solistas feroces entablando un diálogo abundante sobre asombrosos polirritmos. En composiciones que ganaron en riqueza melódica, tales como Suggestible, Kosmia y Kompa, el cuarteto expone su devoción por la música de los Balcanes, a partir de la idiosincracia propia del downtown neoyorquino.****

viernes, 6 de julio de 2012

Chris Speed - Deviantics



Deviantics es el segundo disco del saxofonista y clarinetista Chris Speed (Tim Berne, Myra Melford, Dave Douglas) junto a la banda identificada como Yeah No Quartet (Yeah No es el nombre del álbum debut). Desde el primer tema, Pith Remix, sorprende la destreza de Speed en el clarinete y Cuong Vu en la trompeta interpretando sendos solos sobre una base de drum'n'bass tocada por el fantástico baterista Jim Black. Reconnoiter tiene una animada línea melódica sostenida por una sección rítmica maciza; que en Eddie Cano imita a la de una banda de rock, mientras los solistas exploran sonidos disonantes. Tulip, tema perteneciente al bajista Skuli Sverrisson, es una suerte de soundscapes que evita una estructura netamente jazzística. Wheatstone muestra un feroz contrapunto entre Speed en el saxo tenor y Vu, que encuentra inspiración en los sonidos de los Balcanes. Valya comienza con una introducción de bajo de cinco cuerdas hecho sonar como una guitarra, instrumento cuya elección y ejecución agrega un sabor a fusión, sólo que a años luz de las poco imaginativas propuestas que dominaran la década de los ochenta. Syncretics es casi un interludio donde el grupo incursiona en el free-jazz. En el final, East Europe Rundown retoma la exitosa síntesis entre jazz y música del este de Europa que es parte esencial en el discurso de Speed, también transitada en otra de sus bandas, llamada Pachora. ****

miércoles, 20 de junio de 2012

Rob Brown Trio - Sounds



Sounds es una suite en tres partes compuesta para la compañía de danza de la coreógrafa Nancy Zendora, estrenada en el Vision Festival 2005, en Nueva York. En la primera sección, llamada Archeology, el chelista Daniel Levin y el saxofonista Rob Brown tocan una línea melódica al únisono de tono dramátivo, mientras que el solo de Brown hace gala de una abrumadora solidez, con aires coltraneanos y lleno de energía. Antics apura el pulso a partir de la participación de Levin utilizando la técnica de pizzicato, a lo que responde Brown con un desempeño animado. La suite concluye con Astir, que tiene un tono reflexivo, nocturnal. Stutter Step es la pieza más próxima a una rítmica jazzística tradicional, donde Brown retoma los senderos recorridos en anteriores ediciones, tal como Visage (Marge, 2000), ejecutando, en esta ocasión, frases quebradas. Tibetan Folk Song, como su nombre lo sugiere, dirige la mirada hacia oriente, destacándose la labor de Satoshi Takeishi en percusión. Sinew reitera unísonos de Levin y Brown en un tiempo lento para luego ganar en intensidad. Moment of Pause es una balada de extraña belleza. Lo novedoso consiste en que el saxofonista reemplaza la acostumbrada sección rítmica de contrabajo y batería por una compuesta por chelo y percusión, permitiendo una mayor variedad de contrastes y procurando escapar de lo esperado para una sesión de jazz. La interpretación de Brown es eximia y el disco se valora más y más con cada escucha.

Sounds is a different album of Rob Brown (William Parker Quartet). This is an avant-garde date with the unusual combination of instruments, that include the chelist Daniel Levin and the percussionist Satoshi Takeishi. Here, the alto saxophonist finds a new land to explore. ****

lunes, 4 de junio de 2012

Adam Lane/Ken Vandermark/Magnus Broo/Paal Nilssen-Love - 4 Corners



4 Corners es un grupo que adopta el formato de cuarteto sin piano popularizado por Ornette Coleman y se integra con dos solistas incendiarios: el saxofonista y clarinetista Ken Vandermark y el trompetista Magnus Broo, y una sección rítmica vibrante: el baterista Paal Nilssen-Love y el contrabajista Adam Lane, quien enchufa un pedal de distorsión al contrabajo con el efecto de hacer sonar a la banda como una de rock, aportando también notables composiciones. ****1/2

miércoles, 23 de mayo de 2012

Tony Malaby - Tamarindo



El saxofonista Tony Malaby emplea en Tamarindo el mismo formato de trio de saxo que en su álbum anterior, llamado Adobe (Sunnyside, 2004), pero se diferencia en que su interpretación abandona la delgada línea que divide improvisación estructurada y libre y se vuelve más aventurada y exploratoria, más profunda e intensa, creando sonidos que evocan gemidos, gritos, exclamaciones. Junto al contrabajista William Parker y al baterista Nasheet Waits tocan una música creativa, expresiva y poderosa. ****1/2

lunes, 14 de mayo de 2012

Scott Fields Freetet - Bitter Love Songs



Scott Fields es un guitarrista que demuestra particular atención por la composición y los arreglos, empleando ensambles con formaciones poco frecuentes para una banda de jazz. Dicho ésto, su Scott Fields Freetet es un trio de guitarra. Claro está, que dista de ser uno convencional. La aproximación de Fields a su instrumento es similar a la de Joe Morris, tocando líneas de notas individuales crispadas, cortantes, plenas de staccato, que en Bitter Love Songs, nombre del álbum objeto de esta reseña, son ejecutadas en un medio tiempo hasta desencadenarse, espasmódicamente, como torrentes a gran velocidad. La base rítmica que componen el contrabajista alemán Sebastian Gramss y el baterista portugués João Lobo sigue de cerca al líder, entablando un diálogo que manifiesta alteración, irritación, enojo. Semejante exposición encuentra sentido en el eje temático del disco que son las sensaciones tras una separación. Sólo "I was good enough for you until your friends butted in" es interpretada en forma más lenta y refleja un cierto sinsabor. Los nombres de los temas son muy graciosos y se tratan de esxpresiones en tono sarcástico dirigidas a una ex-pareja. Es una pena que la guitarra de jazz no sea más apreciada en un rol protagónico a excepción de aquellas bandas asociadas a la parafernalia del jazz-rock, lo que permitiría valorar en mayor medida el aporte de un artista como Scott Fields, quien continúa añadiendo peldaños a la evolución del instrumento. ****

domingo, 6 de mayo de 2012

Rudresh Mahanthappa - Samdhi



La novedad en Samdhi, último disco a la fecha del saxofonista Rudresh Mahanthappa, es que, a la confluencia de jazz y sonidos del sur de la India, se añaden influencias de fusión con el rock, música electrónica y hip-hop, para lo cual Mahanthappa incluye, por primera vez, instrumentos eléctricos y electrónicos. Mahanthappa tiene un sonido seco, crudo, y sus líneas melódicas profusas en staccato son cortantes y extrañamente swingeantes. Los temas interpretados junto a una agrupación están precedidos por participaciones solistas de cada uno de los miembros: Mahanthappa en saxo alto y ordenador portátil, Richard Brown en bajo eléctrico, David Gilmore en guitarras (sobregrabadas) y el dúo integrado por Damion Reid en batería y Anantha Krishnan en percusión típica de música carnática. El uso de los electrónicos por el saxofonista no es todo lo satisfactorio que podría ser, pero es bienvenido todo gesto de audacia para incorporar nuevos sonidos a su exquisita interpretación. Entre sus acompañantes, se destacan los siguientes aportes: la siempre atractiva guitarra de Gilmore y los modernos patrones rítmicos ejecutados por el baterista Damion Reid. ****

viernes, 27 de abril de 2012

Vijay Iyer - Panoptic Modes



Editado originalmente en el sello Red Giant en 2001, Panoptic Modes es el comienzo de una por demás fructífera asociación del pianista Vijay Iyer con su alma gemela, el saxofonista Rudresh Mahanthappa. Ambos han procurado hacer confluir las formas musicales occidentales con las provenientes del Sur de Asia, por lo que no debe sorprender que integraran la agrupación de Steve Coleman, toda una referencia en la práctica de crear lazos entre los ritmos de mundos aparentemente disímiles, con su proyecto M-Base. Iyer es dueño de un estilo pianístico que recuerda a intérpretes como Matthew Shipp, quien a su vez, evoca a Cecil Taylor y McCoy Tyner, mientras que sus composiciones son complejas y contienen melodías oblicuas expresivas de tensión y rítmicas intrincadas y adictivas. Acompañan a Iyer y Mahanthappa, Stephan Crump en contrabajo y Derrek Phillips en batería, a excepción de tres temas interpretados en trio de piano (History Is Alive, Numbers (For Mumia) y Circular Argument). ****

sábado, 31 de marzo de 2012

Bayashi - Help Is On Its Way



El saxofonista Vidar Johansen y el contrabajista Bjørnar Andresen tienen una dilatada trayectoria en la escena de free jazz de Noruega. A ellos se une el joven baterista Thomas Strønen para formar la agrupación Bayashi, con la cual registran en vivo en un estudio Help Is On Its Way, apartándose de lo que es considerado por la discográfica Ayler Records la materia prima primordial para grabar free jazz: una actuación frente a una audiencia. Johansen toca saxo tenor, clarinete bajo y flauta (ejecutando agudos que evocan los sones de un piccolo en Loosing Ground Control), Andresen amplifica el contrabajo creando un infrecuente efecto que es el elemento distintivo en el sonido del trio, mientras que Strønen colabora con una atractiva labor percusiva. Meeting The Stars, el tema más extenso, ofrece una acabada muestra de la predominancia de los cambios de tono presente en la música: un inicio lento, a la manera de una plegaria, para después acelerar el ritmo y volverse apremiante. ****

lunes, 26 de marzo de 2012

Firehouse - Live at Glenn Miller Café



Firehouse es una agrupación liderada por el guitarrista John Lindblom, a quien acompañan dos miembros de Atomic (Fredrik Ljungkvist, Magnus Broo) y dos de Angles (Johan Berthling, Kjell Nordeson); y Live at Glenn Miller Café es su primer álbum, que contiene composiciones con mucha energía donde Lindblom demuestra su afinidad con los más reconocidos guitarristas que mezclaron free jazz, rock y funk: James Blood Ulmer y Sonny Sharrock. Cyklone Song comienza con un vibrante solo de guitarra rítmica distorsionada, cruda, que recuerda a Captain Beefheart; la ornettiana Nothing Too Eccentric contiene destacados solos de Lindblom, Broo y Ljungkvist; y en el final, What I Say es una evocación de la emotiva espiritualidad presente en Albert Ayler. Pero es en las piezas más reposadas en las que se distingue una inteligente construcción de las composiciones y una estimable sensibilidad melódica (Slow Glow; Sing Song; Bright Lights, Clean Fights; Inner Place, Outer Space). Un fantástico concierto, producto de la efervescente escena sueca actual. ****

lunes, 12 de marzo de 2012

By Any Means - Live at Crescendo



Live at Crescendo es el título de un doble disco en vivo perteneciente a la agrupación By Any Means, denominación elegida por tres pesos pesados de la escena de free-jazz: el saxofonista (también pianista) Charles Gayle, el contrabajista William Parker y el baterista Rashied Ali. El antecedente de esta formación es un álbum clásico: Touchin'On Trane, de 1991. El concierto que dió origen a la edición objeto de esta reseña fue grabado en Suecia en 2007 y provoca en mí sensaciones encontradas. Dividido en dos partes, en la primera presenta al trio en una exposición menos enérgica de lo esperado, aún sin calentar motores y no del todo satisfactoria. Charles Gayle, un feroz saxofonista cuya mayor influencia es Albert Ayler, un emblema de la improvisación libre, en ocasiones suele entregar una interpretación que se aproxima a un estilo de jazz tradicional que, en mi opinión, no es el contexto que más lo favorece, pues el saxofonista muestra lo mejor de sí es en aquellas sesiones en las que se libera de ataduras y arremete decidido a no tomar prisioneros, tal como lo hiciere en sus álbumes más valiosos y tempranos editados por los sellos Silkheart y Knitting Factory. Su ejecución en aquellas primeras entregas es más lucida, furiosa y demostrativa de unas cualidades técnicas que encontraron, por ese entonces, su mejor expresión. A renglón seguido, diré que tiene cierto encanto esta labor quebrada, escabrosa, áspera, cruda. Lo mejor del primer acto llega en el final, un tema curiosamente llamado Straight Ahead Steps, en el cual el trio levanta temperatura, cuando Gayle invoca, una vez más, el espíritu de John Coltrane y se bate a duelo con Rashied Ali, exponiendo su destreza única para tocar en los rangos altos. La segunda parte comienza con Peace Inside, la pieza más intensa, en la que Gayle rememora sus explosivas, incendiarias presentaciones de fines de los ochenta y principios de los noventa. A su vez, en Macchu Pichu y Eternal Voice, las composiciones más sosegadas, William Parker en el contrabajo tiene una participación más destacada y atractiva. Por su parte, Ali aporta solidez desprovista del propósito de imponerse. Sin ser un álbum esencial, Live at Crescendo captura al trio Gayle/Parker/Ali derrochando poderío y autoridad. ****

viernes, 2 de marzo de 2012

Dennis González Yells At Eels - Cape of Storms



El trompetista Dennis González posee un espíritu aventurado y es dueño de un sonido que combina visceralidad y sofisticación. En sus proyectos manifiesta una virtud como líder que consiste en permitir amplio espacio a sus acompañantes, de modo de transformar cada sesión en una experiencia colectiva. Yells At Eels es la banda que lo une a sus hijos Aaron y Stefan y a ocasionales talentosos invitados. Cape of Storms, donde participan el saxofonista Tim Green y el baterista Louis Moholo-Moholo, contiene magníficas composiciones con mucho groove donde destacan la ejecución sutil, a la vez que estimulante de Dennis, una muscular tarea de Aaron en el contrabajo y las no menos vigorosas pinceladas de Stefan en vibráfono, balafon (una marimba africana) y un arsenal percusivo. Se distinguen temas como: Document for Walt Dickerson, la apertura con un motivo reiterativo tocado por Dennis, una labor de Aaron que destila ímpetu y un empático acompañamiento de Stefan en placas y Louis Moholo-Moloho en batería; Cape of Storms I y Tranquilidad Alborotadora II, en las que Tim Green aporta una inteligente tarea en el saxo tenor, dominada por un tono oscuro; y Snakehandler, el cierre con mucho swing e interacción grupal; a los que se añaden distinguidos interludios a cargo de cada uno de los integrantes del trio. ****1/2

jueves, 23 de febrero de 2012

El fin del mundo - El fin del mundo



El fin del mundo, editado por el sello BAU Records, presenta a jóvenes musicos reunidos en un atractivo formato: un trio de clarinete, violonchelo y batería. Es notable la diversidad de intereses musicales de sus integrantes que se traduce en composiciones improvisadas que son enriquecidas por arreglos que aprovechan la enorme potencialidad que tiene un instrumento como el chelo, tocado por Claudio Peña, en términos de construir texturas y armonías que suenan de un modo infrecuente en el contexto de una agrupación que interpreta música no escrita, a lo que se añade una sugerente labor percusiva a cargo del baterista Gabriel Spiller y una ejecución de aires vanguardísticos, a tono con la propuesta del grupo, por el clarinetista Gustavo Hunt. En el álbum convergen estilos como: free-jazz, avant-tango, noise (un tema recibe el nombre de Intonarumori (entonador de ruidos), una máquina de ruidos inventada por el pintor y compositor italiano Luigi Russolo, considerado un precursor del noise). La banda presta especial atención a los sonidos mismos, a la creación de climas empleando pocos componentes y evitando entregar al oyente referencias sencillas. Tal vez no todas las ideas musicales del trio llegan a concretarse, pero prevalece una saludable actitud exploratoria que integra jazz, clásica y popular. ***

martes, 21 de febrero de 2012

Alan Plachta Quinteto - Lúdico



Alan Plachta combina en Lúdico composiciones simples y reposadas, interpretadas junto a la sección rítmica que conforman Carlos Alvarez en contrabajo y Alejandro López en batería (Encuentro, No hay cuadro chico), o en dúo con el primero de ellos (El, solito), donde destaca el sonido cristalino, casi sin efectos de su guitarra; con otras un poco más complejas en las que presenta al quinteto a pleno y aprovecha el buen entendimiento que existe entre los saxofones solistas de Gustavo Musso y Damián Fogiel, ambos integrantes de Escalandrum (Gillotina, Musserías, Laberinto). Plachta logra dotar a su propuesta de un color local, convirtiendo a Lúdico en un muy buen aporte a un jazz argentino que continúa en la búsqueda de su propia identidad. ***1/2

viernes, 17 de febrero de 2012

Spinetta/Páez - La la la



El éxito de la asociación de dos solistas en un disco suele depender de que ambos sean del agrado del oyente. La la la, la reunión de Luis Alberto Spinetta y Fito Páez, puede resultar atractiva aún para quienes no tengan especial predilección por alguno de ellos, debido a que las canciones, escritas en soledad por cada uno, a las que se añade la magnífica versión de Grisel, el tango de Mariano Mores y José María Contursi, son lo suficientemente destacadas para no ser resistidas, incluyendo verdaderas gemas firmadas por Luis: Asilo en tu corazón (una de las más bonitas de su entero catálogo, conteniendo un simple y precioso arreglo de cuerdas del prestigioso Carlos Franzetti y la demoledora batería de Dani Wirtz), Todos estos años de gente y Cuando el arte ataque. ****

martes, 14 de febrero de 2012

Spinetta-Jade - Alma de diamante



Yo terminaba mi primer año del secundario en el Colegio Nacional cuando Spinetta-Jade presentaba el disco Los niños que escriben en el cielo. La voz de Spinetta en aquellos años era pura, etérea, luminosa, ideal para transmitir la poesía de sus canciones. Tanto el mencionado álbum como Alma de diamante son fabulosos y, aún así, no capturan el modo en que la agrupación sonaba en vivo. Recuerdo la intensidad del instrumental Amenabar, donde el pianista Diego Rapoport tocaba en el estribillo una línea de notas cristalinas de enorme belleza, o los vigorosos tambores de Pomo en la exuberante La diosa salvaje. En aquellos años en que yo comenzaba mi adolescencia, la música interpretada por Spinetta-Jade tenía el sentido de una afirmación, de una búsqueda sin temor de la propia singularidad sin esperar aprobación. *****

sábado, 11 de febrero de 2012

Spinetta - Exactas



Exactas, grabado en vivo en la Facultad de Ciencias Exactas en 1990, sorprende con una recreación de Amor de primavera, la clásica canción folk de Tanguito, uno de los pioneros del rock argentino, que en manos de la banda de Spinetta modelo noventa es convertida en una magnífica pieza de jazz-rock. ****

miércoles, 8 de febrero de 2012

Spinetta - Fuego gris



Fuego gris es la banda de sonido original de le película del mismo nombre dirigida por Pablo César, con la particularidad, según tengo entendido, que fue realizada a partir del álbum y no al revés, como es usual. Una interesante idea que aprovecha todo el poder de sugerencia contenido en la música y la poesía spinettiana [leer la aclaración del propio director en comentarios]. Luis se encarga de las voces y de la mayoría de los instrumentos, participando en algunas pistas sus acostumbrados colaboradores: Jota Morelli en batería, Machi en bajo y Claudio Cardone en teclados. Incluye, entre otras muestras de su fértil jardín interior: Verde bosque, Dedos de mimbre, Trampaluz y Caspa tropical. ***

Poco después de escribir esta reseña, me enteré de la tan triste noticia de la muerte de El Flaco.
Desde pequeño, la música de Luis Alberto Spinetta tuvo un notable impacto sobre mí. 

En sus discos y en sus conciertos supo crear un espacio donde estimular la creatividad, apartándose de la mediocridad.
Fue un artista singular que cultivó un inquebrantable compromiso con su arte.
Su voz será muy difícil de reemplazar.
Sólo resta conservar su legado.
Y que siga la melodía.

viernes, 3 de febrero de 2012

Compás de espera



Dar de baja el sitio de descargas Megaupload parece ser una medida que procura salvaguardar los intereses de las empresas discográficas y la gran industria cinematográfica ante la difusión de estrategias que implementaría el mencionado servicio de almacenamiento de archivos que modificarían las reglas conocidas de producción y comercialización de música y películas por internet, afectando significativamente el reparto de las ganancias. Los proyectos consistirían en: contratar con los artistas la venta de sus discos on-line eliminando la intermediación de los sellos o retribuir por las descargas gratuitas a quienes brindaran sus obras sin costo.
No está en discusión el derecho a la propiedad intelectual, pero lo que está ausente es un debate serio acerca del modo en que se debe proteger la propiedad de los autores en el marco de una nueva era en la transmisión de los productos culturales que no tenga por consecuencia limitar el acceso de los individuos a las manifestaciones de la creatividad humana y que incremente sustancialmente los beneficios que los creadores obtienen por la venta de sus frutos en detrimento de la actual situación de abuso a que se ven sometidos, a excepción de aquellos cuyo producto es masivamente demandado y se encuentran en una situación privilegiada para negociar.
Dado que Megaupload era, a mi entender, el más provechoso de los servidores de descarga directa, su clausura afectó enormemente este espacio, perdiéndose irremediablemente una parte muy importante del material compartido.
Si desean alguno de los discos incluidos en el blog, no duden en enviar un mensaje y a la brevedad estará disponible.